코스 작업

"바로크 미학"

소개

1.1 바로크의 원인

1.2 "바로크"라는 용어의 기원

2장. 바로크 미학 구현의 본질과 예

2.1. 바로크의 본질, 원리 및 미학

2.2 바로크 미학의 구현 예

결론

중고 문헌 목록

소개

문화의 역사에서 각 시대는 그 본질과 현실을 다른 방식으로 반영하는 다양한 과정이 뒤섞인 것으로 알려져 있습니다. 이것의 놀라운 예는 바로크 시대입니다.

바로크는 17-18 세기의 유럽 문화로, 그 주요 특징은 대조, 웅장 함과 사치에 대한 열망, 현실과 암시의 결합, 이미지와 긴장의 역 동성입니다. 바로크 양식은 이탈리아(플로렌스, 베니스, 로마)에 나타났고 그곳에서 유럽 전역으로 퍼졌습니다. 바로크 시대는 세계에서 "서구 문명"의 기초를 심기 시작하는 것으로 간주되며, 다른 시대의 문화 형성의 역학을 크게 미리 결정했습니다. 바로크 양식이 퍼지면서 서구와 러시아에서 인기를 얻고 있습니다.

어느 정도 확률로 바로크는 유럽 도시 건축의 예로서 현재 박물관에 보관되거나 공개 전시되는 뛰어난 대표자의 예술을 통해 여전히 현대 문화에 직접적인 영향을 미친다고 주장할 수 있습니다. 이것은 바로크 시대 연구의 관련성을 결정합니다.

우리는 이 과정의 주요 목표와 목적을 공식화합니다.

우리의 주요 목표는 바로크 시대의 본질, 역사, 의미를 전체적으로 연구하는 것입니다.

목표에 따라 코스 작업의 다음 작업을 강조합니다.

바로크 양식이 문화 양식으로 등장한 이유를 확인합니다. 바로크라는 용어의 역사에 대해 알아보십시오.

바로크의 본질과 원리를 분석하고, 바로크 미학의 기초를 연구하고, 17~18세기 유럽 예술에서 바로크가 구현된 예를 제시합니다.

이러한 목표와 목표는 서론, 각각 2개의 단락으로 구성된 2개의 장으로 구성된 주요 부분, 결론, 참고 문헌 및 적용 목록으로 구성된 코스 작업의 구조를 형성합니다.

바로크 시대를 공부할 때 우리는 H. Welfin의 "르네상스와 바로크"의 개념서적을 사용하여 이 문화 시대의 본질을 이해할 수 있었고, 1997년판 24권의 일반사, 외국미술사, 1980년, 세계건축사 1978년. 또한 다음 저자 Yu. Boreev, A. Vasiliev, M. Vinogradov, F. Dass, V Kolomiets, T. Livanova 및 V. Lipatov 및 기타 일부의 특별 문헌을 사용했습니다.

제1장 바로크: 출현의 역사, 용어의 의미

1.1 바로크의 원인

연대순으로 바로크는 17세기에 나타났습니다. 이러한 연대기는 이 스타일이 르네상스를 대체했음을 의미합니다. 그렇기 때문에 르네상스가 해산된 시대나 흔히들 말하듯이 르네상스가 퇴화한 시대를 지정하는 것이 관례인 경우가 많다.

사실 바로크는 르네상스가 가장 강하게 나타난 나라인 이탈리아에서 유래했다. 그렇기 때문에 바로크의 출현 원인을 연구하는 틀에서 르네상스에 대한 간략한 설명이 필요할 것으로 보인다.

따라서 르네상스는 유럽 문화의 역사에서 한 시대입니다. 전성기의 연대기 틀은 XIV - XVI 세기입니다. 르네상스 또는 르네상스의 독특한 특징은 문화의 세속적 지향과 인간과 그의 활동에 대한 관심, 즉 인간 중심주의라는 용어입니다. 이 기간 동안 고대 문화에 대한 관심이 나타나고 "부흥"이 일어나며이 용어가 나타납니다. 르네상스가 등장한 이탈리아와 마찬가지로 이탈리아에서는 회화, 음악, 건축 및 문학이 새로운 수준에 도달했습니다. 르네상스는 15세기 말에 절정에 이르렀고 16세기에는 사상의 위기가 시작되었습니다. 문화 역사가들은 이 기간 동안 매너리즘과 바로크에 대한 새로운 아이디어의 기초가 등장했다고 기록합니다.

따라서 바로크는 르네상스 아이디어의 위기를 배경으로 등장했으며 르네상스가 가장 번성했던 곳인 이탈리아에서 나타났습니다.

이 역설적으로 보이는 현상의 원인을 분석해 보겠습니다.

위에서 언급했듯이 바로크는 대조, 긴장, 이미지의 역동성, 웅장함과 화려함에 대한 열망, 현실과 환상의 결합, 병합과 동시에 개별 장르의 자율성에 대한 경향이 특징입니다.

스타일의 이데올로기적 토대는 16세기에 종교개혁과 코페르니쿠스의 가르침과 같은 충격의 결과로 형성되었습니다. 고대에 확립된 이성적이고 끊임없는 통일체로서의 세계의 개념과 인간이 가장 합리적인 존재라는 르네상스 사상이 바뀌었습니다. 인간은 파스칼의 말에 따르면 "모든 것과 아무것도 아닌 것 사이에 있는 어떤 것"이 망쳐져서 "합리적인 존재"처럼 느껴지지 않게 되었습니다. "현상의 겉모습만 보고 그 시작과 끝을 알 수 없는 자들에게"

17 세기의 이탈리아는 지금 말하는 것처럼 르네상스 스타일과 관련된 국가입니다. 트렌드 세터입니다. 그러나 동시에 이 나라는 경제적, 정치적 힘을 크게 잃고 유럽 정치에서 부차적인 역할을 하기 시작합니다. 또한 찬탈자들은 프랑스와 스페인 군인의 영토에옵니다. 국가는 분단된 반 식민지가 됩니다.

그러나 이탈리아, 특히 로마는 여전히 유럽의 문화 중심지로 남아 있었습니다. 점차적으로 이들로 인해 사회 경제적 순간에 새로운 스타일이 탄생하기 시작했다고 말할 수 있습니다. 그 첫 번째 임무는 부와 권력의 환상, 가톨릭 교회와 이탈리아 귀족의 승영을 만드는 것이 었습니다. , 영향력의 문화적 지렛대 외에는 아무 것도 없었습니다. 점차 바로크는 권위와 전통을 편견으로 거부하기 시작합니다. 그 당시 바로크 양식의 주요 주제는 영혼의 거부와 계몽과 이성으로의 전환이었습니다.

그러나 바로크 시대를 르네상스에서 계몽주의로의 이행기로만 보는 것은 옳지 않다. 바로크는 예술의 발전에서 독립적인 단계이며 그 출현의 이유는 이탈리아의 경제적, 정치적 문제뿐만이 아닙니다. 또한 바로크 양식은 이탈리아에서 나타났지만 유럽 전역에 매우 빠르게 퍼졌습니다.

이를 전제로 하여 17세기 서유럽을 개괄적으로 설명할 필요가 있어 보인다.

이 기간 동안 서유럽 전체는 사회 경제적, 정치적 관계의 새로운 시대로 접어들었습니다. 이 기간은 주로 계급적 세계관의 충돌, 전통적인 봉건제와 진보적 자본주의 사이의 투쟁으로 특징지어집니다. 많은 주(예: 프랑스와 오스트리아)에는 국가 권력의 중앙 집중화, 절대주의로의 전환이 있습니다. 그러나 이 과정 자체는 분명히 고르지 않습니다. 다음은 유럽 국가의 몇 가지 예입니다.

네덜란드에서는 이미 부르주아 혁명이 일어나고 있고 부르주아 관계가 발전했습니다.

이미 언급한 프랑스에서는 왕의 절대 권력이 번성합니다.

왕의 전복과 부르주아 혁명이 영국에서 일어나고 있다.

이탈리아는 분할된 반 식민지가 됩니다.

스페인은 낙후된 변두리입니다.

독일은 소공국들의 합이며, 그 안에서 30년 전쟁이 벌어지고 있다.

유럽 ​​전역에서 주요 사회 계층은 부르주아지, 농민, 귀족이 되고 있습니다. 그러나 유럽 국가의 문화가 고르지 않게 발전함에 따라 바로크의 기초가 된 새로운 기본 사항에 점점 더 많은 영향이 주어집니다.

유럽에서 바로크가 확산되는 이데올로기적 기초는 영적 문화의 전반적인 약화, 교회의 분열 - 결과적으로 권위의 몰락, 다양한 계급의 이익을 반영한 가르침의 투쟁이었습니다. 천주교는 봉건적 경향의 이데올로기적 기초로 남아 있었기 때문에 개신교는 부르주아지의 이해관계를 반영했다. 동시에 국가 기관의 역할이 커지고 세속 원칙과 종교 원칙 간의 투쟁이 심화되고 있습니다. 자연 과학은 광학, 물리학, 열역학 및 지리와 같이 빠르게 발전하고 있습니다.

따라서 우리는 바로크가 퍼진 주요 원인을 강조합니다.

연대순으로 바로크는 르네상스 아이디어의 위기를 배경으로 이탈리아에서 17 세기에 나타났습니다. 이 기간 동안 이탈리아 자체는 경제적, 정치적 중요성을 상실하고 분열된 반식민지가 되었으며 계속해서 유럽의 문화 중심지가 되었습니다. 점차적으로 이러한 사회 경제적 이유 때문에 새로운 스타일이 탄생하기 시작합니다. 첫 번째 과제는 부와 권력의 환상, 가톨릭 교회와 이탈리아 귀족의 고양을 만드는 것이 었습니다. 영향력이 있는, 아무 것도 없었다.

동시에 바로크 시대를 르네상스에서 계몽주의로의 이행기로만 보는 것은 옳지 않다. 바로크는 예술의 발전에서 독립적인 단계이며 그 출현의 이유는 이탈리아의 경제적, 정치적 문제뿐만이 아닙니다. 또한 바로크 양식은 이탈리아에서 나타났지만 유럽 전역에 매우 빠르게 퍼졌습니다. 이를 바탕으로 바로크는 전체 유럽 사회의 분위기를 반영하고 수요가 많았으므로 전제 조건 없이는 발전할 수 없었으며 이러한 전제 조건은 유럽 국가마다 크게 달랐습니다.

유럽에서 바로크가 확산되는 이데올로기적 기초는 영적 문화의 전반적인 약화, 교회의 분열 - 결과적으로 권위의 몰락, 다양한 계급의 이익을 반영한 가르침의 투쟁이었습니다. 동시에 국가 기관의 역할이 커지고 세속 원칙과 종교 원칙 간의 투쟁이 심화되고 있습니다. 자연 과학은 광학, 물리학, 열역학 및 지리와 같이 빠르게 발전하고 있습니다. 이것은 바로크의 주요 주제에 대한 전제 조건이 나타남을 의미합니다. 즉, 깨달음과 이성에 찬성하여 영혼, 인간 중심주의 및 르네상스 전체를 거부합니다.

바로크(이탈리아 바로소 기괴한, 예술적인, 이상한) - 16세기 후반에서 18세기 중반까지의 유럽 예술의 예술적 스타일. (독일, 러시아에서는 19세기 말까지).

바로크 양식은 16세기 이탈리아에서 시작되었습니다. 르네상스의 아이디어와 예술적 원칙의 위기, 정치적, 사회적, 종교적 성격의 깊은 모순을 반영합니다. 세계의 조화 사상과 인간의 무한한 가능성이 무너지고 있습니다. 바로크의 주요 예술은 건축입니다. 응용 예술, 그림, 조각.

에 바로크 건축장식적인 시작이 건설적인 것보다 우선합니다. 예술적 임무는 놀라움, 화려함으로 눈부시게 하는 것입니다. 르네상스 시대 예술가들의 작품에서 엄격한 비례 감각은 환상적인 풍부함과 다양한 장식으로 대체되어 때로는 아름다움을 손상시킵니다. 곡선의 윤곽, 비대칭, 지배적인 오름차순, 구성의 복잡성, 공간의 불분명한 분할은 바로크 건축 구조의 특징입니다. 화려하게 장식된 벽기둥이 사용되며 기둥은 순전히 장식적인 요소가 되며 건설적인 하중을 가하지 않습니다. Caryatids, atlantes, 치장 벽토로 가득 찬 장식품, 벽감 및 현관, 동상이 있는 갤러리, 빛과 그림자의 놀이는 보는 사람의 감정에 영향을 미치도록 설계되었습니다.

베르사유 궁전, 상수시 궁전, 겨울 궁전이 있습니다. 인테리어는 새로운 취향에 해당합니다. 천장과 벽의 모서리가 매끄럽게 다듬어지고, 플라폰드와 벽은 풍부한 색상의 그림, 치장 벽토, 금박을 입힌 장미 장식으로 장식되어 있으며, 객실은 태피스트리, 조각상, 거울로 풍부하게 장식되어 있습니다. 상감 바닥, 크리스탈 샹들리에, 얇은 다리의 우아한 가구가 궁전 장식을 완성합니다. 파괴적인 대재앙(Global Earth, Hell), 순교, 영적, 물리적 힘의 긴장을 유발하는 모든 것의 투쟁을 모티브로 한 프레스코화가 지배적이다. 이들은 일반적으로 순전히 장식적인 세부 사항이 많은 비정상적인 각도로 모든 것이 움직이는 다중 그림 구성입니다. 삶을 긍정하는 시작은 금욕주의와 공존하며 의도적으로 무례한 것과 절묘한 것입니다(Rubens, Van Dyck, Bernini의 조각품). 초상화는 권력의 모든 액세서리와 함께 의식적이고 연극적입니다.

에 바로크 문학- 내용보다 형식을 중시하고, 조형적, 표현적 수단으로 자족적 가치를 얻는다. 복잡한 구문 구조는 신화적 그로테스크한 ​​이미지가 풍부하고 가식적이며 고상한 음절로 널리 사용됩니다. 시는 십자가, 마름모, 원의 형태로 인쇄됩니다. 비극은 공포와 유혈 장면으로 가득 차 있습니다. 코미디는 유머와 예상치 못한 언어 발견으로 반짝입니다(P. Calderon, A. Gryphius, Tirso de Molino, S. Polotsky).

바로크 음악 G. Gabrieli, M. Chesti(이탈리아) 제공. 그들은 와하와 헨델이라고 부르지만 그들의 천재성은 바로크를 넘어섰다. 위대함, 구성의 복잡성, 억양의 풍부함, 드라마, 인간 열정의 세계에 대한 깊은 반영은 그들의 작업의 주요 특징입니다(예: J. S. Bach의 장엄한 "Passion by John" 및 "Passion by Matthew", 콘서트 및 G. F. 헨델의 오라토리오). 바로크 양식의 일부 기능은 예술의 현대 모더니스트 트렌드에서 사용됩니다.

우리에게 바흐와 헨델을 선사한 시대를 '판타스틱'이라고 불렀다는 사실, 알고 계셨나요? 그리고 그들은 긍정적인 맥락에 있는 것과는 거리가 먼 부름을 받았습니다. '불규칙한(기이한) 모양의 진주'는 '바로크'라는 용어의 의미 중 하나입니다. 그러나 새로운 문화는 르네상스의 이상, 즉 조화, 단순성 및 명료성이 부조화, 복잡한 이미지 및 형식으로 대체되었다는 관점에서 볼 때 잘못되었습니다.

바로크의 미학

바로크의 음악 문화는 아름다운 것과 추한 것, 비극과 희극이 결합되었습니다. "트렌드에서"는 르네상스의 자연 스러움을 대체 한 "잘못된 미인"이었습니다. 세계는 더 이상 통합되어 보이지 않았지만 대조와 모순의 세계, 비극과 드라마로 가득 찬 세계로 인식되었습니다. 그러나 이에 대한 역사적 설명이 있습니다.

바로크 시대는 1600년부터 1750년대까지 약 150년을 망라합니다. 지금은 위대한 지리적 발견의 시대(콜럼버스의 아메리카 발견과 마젤란의 일주를 기억하십시오), 갈릴레오, 코페르니쿠스 및 뉴턴의 빛나는 과학적 발견의 시대, 유럽에서 끔찍한 전쟁의 시대입니다. 우리 눈앞에서 세상의 조화가 무너지고 있었고, 우주의 모습이 변하고 있는 것처럼 시간과 공간의 개념도 변하고 있었습니다.

바로크 장르

허세에 대한 새로운 패션은 새로운 것을 낳았습니다. 그녀는 인간 경험의 복잡한 세계를 전달할 수 있었습니다. 오페라, 주로 밝은 감정적 아리아를 통해. 야코포 페리(오페라 에우리디체)는 최초의 오페라의 아버지로 여겨지지만, 정확히는 클라우디오 몬테베르디(오르페우스)의 작품에서 오페라가 형성되는 장르로서였다. 바로크 오페라 장르의 가장 큰 이름 중에는 A. Scarlatti(오페라: 카이사르가 된 Nero), G.F. Telemann("Mario"), G. Purcell("Dido and Aeneas"), J.-B. Lully("Armida"), G. F. Handel("Julius Caesar"), G. B. Pergolesi("The Maid - Madam"), A. 비발디("파르낙").

거의 오페라처럼 풍경도 의상도 없이 종교적인 음모가 있는, 오라토리오바로크 장르의 계층 구조에서 중요한 위치를 차지했습니다. 오라토리오와 같은 높은 영적 장르는 인간의 감정의 깊이를 전달하기도 했다. 가장 유명한 바로크 양식의 오라토리오는 G.F. 헨델("메시아").

신성한 음악의 장르 중 영적 음악도 인기가있었습니다. 칸타타그리고 열정(열정은 "열정"입니다. 그건 그렇고, 그러나 만일을 대비하여 러시아어로 "열정적으로"를 의미하는 하나의 단일 루트 음악 용어인 appassionato를 기억합시다). 여기서 손바닥은 J. S. Bach(Matthew Passion)의 것입니다.

시대의 또 다른 주요 장르 - 콘서트. 날카로운 대조의 연주, 독주자와 오케스트라의 경쟁( 단독 콘서트) 또는 오케스트라의 서로 다른 그룹(장르 협주곡 그로소) - 바로크의 미학을 잘 반영했습니다. 마에스트로 A. 비발디("사계"), J.S. 바흐 "브란덴부르크 협주곡"), G. F. 헨델, A. 코렐리(그로쏘 협주곡).

다양한 부분의 교대라는 대조적 원리는 협주곡의 장르에서만 발전된 것이 아니다. 그는 기초를 형성했다 소나타(D. 스칼라티), 스위트룸과 파르티타 (J.S. 바흐). 이 원칙은 이전에도 존재했지만 바로크 시대에만 무작위가 중단되고 질서 정연한 형태를 얻었습니다.

바로크 음악 문화의 주요 대조 중 하나는 시간의 상징으로서의 혼돈과 질서입니다. 삶과 죽음의 우연, 운명의 통제 불가능, 그리고 동시에 - "비율"의 승리, 모든 것의 질서. 이 이율배반은 음악 장르에서 가장 분명하게 전달되었다. 전주곡 (토카타, 환상 ) 그리고 푸가. 이다. 바흐는 이 장르에서 타의 추종을 불허하는 걸작을 만들었습니다.

우리의 검토에서 다음과 같이 바로크 대조는 장르의 규모에서도 나타납니다. 방대한 구성과 함께 간결한 작품도 만들어졌습니다.

바로크의 음악적 언어

바로크 시대는 새로운 문체의 발전에 기여했습니다. 음악계에 입문하다 동음이의어메인 보이스와 동반으로 나뉩니다.

특히 동음이의어의 인기는 교회가 영적 작곡에 대한 특별한 요구를 했다는 사실에도 기인합니다. 모든 단어는 읽을 수 있어야 합니다. 그래서 보컬이 전면에 등장하여 수많은 음악적 장식을 얻었습니다. 허세에 대한 바로크 경향은 여기에서도 나타납니다.

기악도 장식이 풍부했다. 그 결과 널리 퍼졌다. 즉흥 : 바로크 시대에 발견된 오스티나토(반복, 불변) 베이스는 주어진 화음 계열에 대한 상상의 여지를 주었다. 그러나 성악에서는 긴 카덴차와 우아한 음과 트릴의 사슬이 종종 오페라 아리아를 장식했습니다.

동시에 번성했다. 다음, 그러나 완전히 다른 방향으로. 바로크 폴리포니는 대위법의 발전이다.

음악 언어의 발전에서 중요한 단계는 기질 체계의 채택과 형성이었습니다. 메이저와 마이너의 두 가지 주요 사항이 명확하게 정의되었습니다.

영향 이론

바로크 시대의 음악이 인간의 열정을 표현하는 역할을 했기 때문에 작곡의 목표가 수정되었습니다. 이제 각 구성은 감정, 즉 특정 마음 상태와 관련되었습니다. 정동 이론은 새로운 것이 아니라 고대로 거슬러 올라갑니다. 그러나 바로크 시대에 그것은 널리 퍼졌습니다.

분노, 슬픔, 환희, 사랑, 겸손 - 이러한 영향은 작곡의 음악적 언어와 관련이 있습니다. 따라서 기쁨과 재미의 완벽한 효과는 3분의 1, 4분의 1, 5분의 1, 유창한 템포와 삼자 크기를 사용하여 글로 표현했습니다. 반대로, 슬픔의 영향은 불협화음, 반음계 및 느린 템포를 포함하여 달성되었습니다.

거친 E-flat 장조와 심술궂은 E-major가 짝을 이루는 거친 A-단조와 부드러운 G-장조를 반대하는 건반의 감정적 특성도 있었습니다.

결론보다는...

바로크의 음악 문화는 다음 시대의 고전주의 발전에 지대한 영향을 미쳤습니다. 그리고 이 시대뿐만이 아닙니다. 오늘날에도 여전히 인기 있는 오페라와 협주곡의 장르에서 바로크의 메아리가 들립니다. 바흐 음악의 인용문이 헤비 록 솔로에 나타나고 팝송은 대부분 바로크 양식의 "황금 시퀀스"에 기반을 두고 있으며 재즈는 어느 정도 즉흥 연주 기술을 채택했습니다.

그리고 이미 아무도 바로크를 "이상한"스타일로 간주하지 않지만 진정으로 귀중한 진주에 감탄합니다. 기괴한 모양이기는 하지만.

1. 바로크와 르네상스의 일반적인 미학적 태도의 차이점

바로크는 17세기에 번성한 유럽 문화에서 소위 "위대한 스타일" 중 하나입니다. "바로크"라는 용어 자체는 19세기에 이 시대의 예술에 대한 회고적 연구에서 사용되기 시작했습니다. 용어의 기원에 대해 다른 설명이 있습니다. “귀한 진주를 의미하는 포르투갈어 perola baroca에서 이름이 유래된 것으로 생각되었습니다. 불규칙한 모양, 무지개의 다양한 색상으로 반짝이고 무지개 빛깔입니다. 두 번째 버전에 따르면 바로코는 복잡한 스콜라 삼단논법입니다. 마지막으로 세 번째 옵션인 바로코는 거짓, 기만을 의미합니다. 수 또한 A.V. Mikhailova: "바로크"라는 단어는 두드러진 역사적, 문화적 현상으로서 "이상함"과 연결되고 병합됩니다. 연구에 따르면, 그것을 사용하는 대다수의 사람들에게 폐쇄된 내부 형태를 가진 단어인 "바로크"는 의미론적으로 멀리 떨어져 있는 두 단어의 일종의 공생에서 발생합니다. "바로크"는 13세기. 잘못된 결론으로 ​​이어지는 삼단논법의 그림(스콜라 철학의 삼단논법의 상징 중에서), 불규칙한 모양의 진주(포르투갈어).

바로크의 미학은 르네상스의 미학과 여러 면에서 다릅니다. 어떤 면에서는 르네상스 미학의 정반대라고도 할 수 있다.

1) 르네상스 사상가들은 가장 흔히 아름다움을 고려했습니다. 목적실재의 차원(신플라톤주의자들은 그것의 근원을 세계 하나인 신에게서 보았고, 알베르티와 레오나르도와 같은 작가들은 그것을 자연에 귀속시켰다). 바로크 미학에서는 반대 개념이 지배적이었습니다. 주걱세계에 대한 태도, 그 원천은 예술가의 상상력과 "위트"에서 볼 수 있었습니다.

2) 르네상스는 고대에 시작된 "수학적" 미학의 노선을 계속 이어갔습니다(예술은 최고의 과학이자 가장 완벽한 철학이라는 신념을 가진 레오나르도를 예로 들어 보겠습니다). 바로크는 미학의 "수학화"와 합리화를 거부했습니다. 반대로, 그 이론가들은 미학을 비합리적인 영역으로 매우 자주 번역합니다.

3) 르네상스 사상가들은 상대적, 부분적 지식에서 절대적 지식으로, 조건적 존재에서 무조건적 존재로 마음과 영혼의 고양에서 예술의 목표를 보았습니다. 바로크 이론가들에게 예술은 오히려 도피의 한 형태, 지루하고 희미한 현실에서 "꿈", 환상, 장엄한 속임수, 사치스러운 감정의 세계로의 탈출입니다. 르네상스 리얼리즘은 환상주의와 같은 것으로 대체되어 여기에서 위치를 잃고 있습니다.

르네상스와 바로크를 비교한다는 점에서 하인리히 뵐플린의 '르네상스와 바로크'를 언급하는 것이 적절하다. 여기서는 두 가지 예술 양식을 비교하여 문화 자체와 그 배경에 깔린 세계관의 대조를 강조합니다. 예를 들면: “르네상스는 아름답고 평화로운 존재의 예술입니다. 그것은 우리에게 특정한 일반적인 웰빙 상태로 인식되는 해방된 아름다움을 활력 맥박의 균일한 증가로 제공합니다. 그분의 완전한 창조물에서 우리는 압제되거나 구속된 것이 없고, 불안하거나 동요하는 것을 발견하지 못합니다.” 오히려 “바로크는 행복한 존재를 주지 않고, 그 주제는 떠오르는 일시적인 존재, 평화를 주지 않는, 만족하지 못하고 평화를 모르는 존재이다. 기분은 풀리지 않고 열정적인 긴장 상태에 빠진다.

실제로 바로크 세계는 영향을 받는 "제한적" 상태의 세계입니다. 여기에서 현실과 꿈, 의식과 물질적 사물(일반적으로 주관적이고 객관적임), "이 세계"와 "다른 세계"의 경계는 거의 감지할 수 없습니다. "바로크 시대의 종교인은 세계에 애착을 가지고 있다. 왜냐하면 그는 자신이 세계와 함께 폭포로 끌려가는 것을 느끼기 때문이다." 이 느낌은 깊다 종말론적으로그러나 발터 벤야민(Walter Benjamin)에 따르면 "바로크적 종말론은 존재하지 않는다". 왜냐하면 초월적이고 내세적인 것이 지상의 현실로 옮겨지고 직접적인(거의 항상 가톨릭적인 방식으로 고양되는) 경험의 주제가 되기 때문이다. 다른 세계는 세상의 가장 가벼운 숨결조차 존재하는 모든 것에서 해방되고 바로크 양식은 일반적으로 어떤 종류의 표현에도 적합하지 않은 많은 것들을 그것에서 제거하여 가장 높은 곳에서, 무례한 방식으로 조명합니다. 마지막 하늘을 해방시켜 진공 상태로 만들어 언젠가는 파멸의 힘으로 땅을 삼킬 수 있게 하기 위해.

Wölfflin에서 르네상스와 바로크는 다음의 다섯 가지 특징에 따라 대조됩니다. 선형성/그림성; 평면 / 깊이; 폐쇄형/개방형; 단일성/다수성; 명료함/불분명함. 이 표시는 또한 두 시대의 세계관, 주요 의도의 일반적인 상징적 특성으로 인식 될 수 있습니다 (이 점에서 우리에게 중요합니다). Wolflin은 르네상스가 그래픽, 가소성, 형태와 경계의 예비 정의(여기서 선은 "시선의 길과 눈의 교육자"로 이어짐)가 특징이라고 믿습니다. 바로크에서 형태의 무한함, 무한한 대중의 비전. 르네상스 예술에서는 소성 격리와 엄격함의 원칙, 뚜렷하고 강렬한 구조가 배양됩니다(미켈란젤로의 조각을 기억하십시오). 바로크에는 이러한 엄격함과 통일성이 없습니다. 형태 자체의 구조적 긴장도 없습니다. 흐릿하고 반짝이며 일종의 불가사의한 불완전성의 속성이 부여됩니다. 예를 들어 바로크 건축을 고려하십시오. 매끄럽고 둥글며 매우 불안정하고 매우 "긴장된" 형태가 여기 도처에 있습니다. 여기에서 우리는 거울 유리, 기만적인 회화 기법 등을 통해 공간을 확장하려는 시도를 자주 접합니다.

Wölfflin은 "개별적인 형태가 아니라 개별적인 인물이나 개별적인 모티브가 아니라 매스 이펙트입니다. 제한되지 않고 무한합니다!” . 바로크 시대의 위대한 조각가이자 건축가인 베르니니의 이름이 “조각의 죽음을 위한 이름”이라는 프리드리히 니체의 말을 이해해야 하는 것은 바로 이런 의미에서다. 서로에게 흐르는 것처럼 보이고, 윤곽을 그리는 선은 계속해서 흐려집니다. 따라서 Wölfflin이 말한 것처럼 "그림 같은" 원칙에 따라 정적인 것이 아니라 움직이고 깜박이는 볼륨이 조직화되어 전면에 나타납니다. 이 '화려함'이 '바로크' 사고의 원리라고 할 수 있다.

2. 바로크의 철학적, 미학적 정당화: Baltasar Gracian

미학 역사가 V.P.에 따르면 셰스타코프는 “바로크 양식은 미학에서 전체론적이고 체계적인 이론적 표현을 받지 못했다. 그러나 개별 진술, 시 및 음악 작품의 서문은 바로크 미학의 기본 원리에 대한 아이디어를 제공합니다. 이 판단은 완전히 정확하지 않습니다. 주로 스페인과 이탈리아에서 바로크 문화의 틀 내에서 다소 높은 철학적 수준의 몇 가지 주요 논문이 작성되었습니다. 아래에서 그 중 두 가지를 간단히 검토하겠습니다.

일반적으로 바로크 미술의 철학은 아름다움이나 추함의 객관적인 기초에 관심이 없습니다. 그녀의 관심은 미적 인식과 창의성의 주관적인 조건에 고정되어 있습니다(바로크 미학의 틀 안에서 바로 맛의 개념이 나타나는 것은 우연이 아닙니다). 그녀는 트릭에 관심이 있습니다 신념관중 또는 독자 - 본질적으로 암시와 동일한 믿음, 환상적 기만(즉, 존재하지 않는 것을 존재로 표현함). 그런데 여기서 중요한 역할을 한 수사학» 1570년 처음으로 라틴어로 번역된 아리스토텔레스. 폴란드의 미학자 벨로스토츠키는 바로크에 관한 자신의 저서에서 다음과 같이 썼습니다. 수사학은 진실과 그럴듯함을 구별하지 않습니다. 설득의 수단으로서 그것들은 동등한 가치를 지닌 것처럼 보입니다. 따라서 바로크 미술의 환상적이고 환상적이며 주관주의가 예술 기법의 "분류"와 결합되어 그럴듯하다는 주관적이고 오해의 소지가 있는 인상이 뒤따릅니다.

이 시대의 가장 흥미로운 작품 중 하나는 스페인 작가 Baltasar Gracian y Morales(1601-1658) "Wit or Art of Quick Mind"(1642)의 논문입니다. L.E.에 따르면 Pinsky에 따르면 이 책은 “보통 바로크 시대의 미학에 대한 가장 중요하고 프로그램적인 작업으로 평가됩니다(또는 - 다양한 장인 정신 기술의 상세한 열거와 관련하여 - 바로크 수사학). 그런 의미에서 그라시앙의 '정교한 마음의 예술'은 17세기 고전주의의 예술 프로그램인 보일로의 '시적 예술'과 견줄만하다." .

우선, Gracian이 "재치"로 의미하는 바를 고려하십시오.

지혜는 마음의 무조건적인 선이며 즐거움의 원천입니다. 이것은 마음의 가장 높은 능력입니다. "변증법은 추론이나 삼단 논법을 올바르게 구축하기 위해 개념의 연결을 다루고 수사학은 웅변적 인 전환을 만들기 위해 구두 장식을 다룹니다." 변증법과 수사학 모두 위대하지만 가장 세련된 기술은 아닌 것 같습니다. "위트, 위트도 기술을 기반으로 하며 다른 모든 것 중에서 가장 높습니다."

재치는 마치 직관적인 것처럼 빠르고 정확한 행동을 하는 "정교한 마음"의 속성입니다. 합리적이고 논리적인("느린") 마음의 주체는 진리인 반면, 지혜는 "이성과 달리 진리만으로 만족하지 않고 아름다움을 추구한다" . 흥미롭게도 그라시안은 미묘하게도 이전의 모든 미학에서 흔히 볼 수 없는 것, 즉 다양한 대상 사이의 미묘하고 때로는 감지할 수 없는 연결과 대응으로 표현되는 그러한 조화를 의미합니다.

예리한 생각은 “대상들 사이에 존재하는 대응을 표현하는 이성의 행위이다. 그들의 바로 그 조정 또는 능숙한 상관 관계는 객관적인 미묘한 연결을 나타냅니다. 더욱이, 이 서신의 확립은 더욱 가치가 있을수록 현실과 가장 "재치 있는" 작업에서 덜 분명해 보입니다. Gracian은 "순응은 모든 종류의 재치에 공통적인 일반적인 특성이며 정교한 마음의 모든 속임수를 포용합니다. 우리가 반대와 이질성을 가지고 있는 곳에서도 이것은 또한 대상의 능숙한 상관에 지나지 않습니다.

따라서 그라시아누스(및 일반 바로크) 이해에서 아름다움의 속성은 논리적으로 규칙적인 근접성이 없는 그러한 대상 간의 대응, 미묘한 일관성, 기술적인 상관 관계입니다. 이것은 예술에서만 가능한 아름다움, "정교한 마음"에 의해 완성되는 진정한 아름다움입니다. Gracian의 다른 작품에서 언급했듯이 "아름다움도 도움이 되어야 합니다. 아름다운 것조차도 예술로 장식되지 않으면 추함으로 나타나 결점을 제거하고 위엄을 닦습니다."

Gracian이 말하는 대응은 어떤 경우에는 개체 자체에 내재되어 있으며("이미 모든 종류의 독창적인 움직임을 포함"함), 다른 경우에는 매우 임의로 설정됩니다. 본질적으로, 그것들이 "객관적"인지 "주관적"인지는 중요하지 않습니다. 예술가가 그것들이 픽션이 아니라는 것을 우리에게 납득시킬 수 있었는지가 훨씬 더 중요합니다. 그러한, 때로는 완전히 환상적인 설득의 유일한 수단은 그 자체입니다. 아름다움. 예술가는 아름다움으로 행동하고, 아름다움은 어떤 삼단논법보다 훨씬 더 큰 증거력을 가질 수 있습니다. 재치에 의해 생성된 증명의 특성화, 즉 무엇보다도 형식의 아름다움에 호소하는 Gracian은 역설적 성격을 지적합니다. "그러한 증거에서 대조가 강조됩니다"; "증명은 두 개념의 대립에 기초한다" 등.

스페인 사상가는 이러한 증명과 재치의 "기술" 일반을 합리화하려고 시도합니다. 그는 현대 스페인 시에서 많은 예를 인용하고 비논리적인 "대응"의 효과가 만들어지는 기술을 세심하게 분석합니다. 동시에 그는 재치의 대부분이 이성을 능가하는 직관, 즉 Gracian의 용어로 "재능"에 의해 결정되기 때문에 기술의 소유(수사 기술)에 의해 제한될 수 없다고 확신합니다. 그는 재치가 이성과 재능의 종합이며 후자가 이 종합에서 지배적이라고 믿습니다. "... 자연"이라고 Gracian은 말합니다. Seneca의 역설은 이것에 근거합니다. 광기의 알갱이는 모든 위대한 재능에 내재되어 있습니다. 인상은 그에게 영향을 미치고, 그는 감정의 경계, 욕망의 경계, 열정의 위험한 이웃 근처에 살고 있습니다.

따라서 위트는 친숙한 것의 경계를 파괴하는 예술적 게임에서만큼 지식에서 많이 표현되지 않습니다. 여기서 가장 중요한 것은 양립할 수 없는 능력, 놀라게 하는 능력, 놀라게 하는 능력(Gracien은 “재치의 소금은 특이한 것”이라고 말합니다), 또한 상상을 현실로 제시하는 능력입니다. , 환상을 만듭니다). 흥미진진한 미학 게임인 지적 미식가입니다.

그라시안의 논문의 이러한 조항들을 예술 분야에 투영해 보자.

A) 우리는 예술가의 작업에서 리셉션: 명확성, "대응" 식별의 명확성 및 사물 간의 모든 종류의 미묘한 연결과 직접적인 관련이 있습니다.

B) 예술이 이성보다 재능과 더 관련이 있는 정교한 마음의 게임이라면, 언어 형식의 엄격한(Wölfflin의 의미에서 선형-기하학적) 명확성은 있을 수 없습니다. 여기 전경에는 역설적인 연관성이 있을 뿐만 아니라 자유롭고 "음악적으로" 조직되고 확실히 장관입니다. 은유.

예를 들어, 위대한 바로크 시인인 Luis de Gongora(1561-1627)의 작품에서 몇 가지 예를 들어 보겠습니다. Gracien과 동시대 사람(후자는 그의 예술적 발견을 크게 일반화하고 개념화했습니다)입니다.

"Solitudes"의 한 구절: "소들이 마구간으로 돌아와서 희미한 햇살을 짓밟습니다." 이것은 양립할 수 없는 것의 이상적인 조합입니다. 어떤 조밀한 표면, 일반적으로 물질적인 것, 그러나 광선이 아닌 일부만 "지나칠" 수 있습니다. 여기에서 발생하는 이미지는 말 그대로 불완전하고 따라서 Gongora의 시와 일반적으로 바로크 시의 특징인 "수수께끼"로 판명됩니다.

Gongora가 부상당한 사람에 대해 말할 때: "피가 거의 없는 정맥/밤이 많은 눈" 그는 또한 전통적으로 양립할 수 없는 것들, 즉 구체적인 아이디어와 은유적 이미지를 결합합니다. 어떤 경우에 시인은 그 효과와 예기치 못한 면에서 놀라운 은유를 사용합니다. 예를 들어, Cyclops Polyphemus의 동굴 (동일한 "외로움"에서)에 대해 그는 "그것은 지구의 끔찍한 하품이었습니다"라고 씁니다. 시계에 대해: "숫자 옷을 입은 사악한 시간." 때때로 그는 "고전적" 지향적인 시인들이 선호하지 않는 기술을 과장법으로 사용합니다. 예를 들어, 신부의 아름다움은 다음과 같이 묘사됩니다. "그녀는 두 개의 태양의 도움으로 무더운 노르웨이를 만들 수 있고 두 손의 도움으로 하얀 에티오피아를 만들 수 있습니다."

Federico Garcia Lorca는 그에 관한 에세이에서 "Don Luis de Gongora의 독창성은 순전히 문법적인 계획 외에도 시적 이미지를 "사냥"하는 바로 그 방법, 즉 극적인 적대감을 포용하는 방법에 있습니다. 그리고 그의 말 갤럽을 극복하는 것은 신화를 만듭니다." 이미지의 '극적 적대감'을 현실화하고 극복하는 방식은 모든 바로크 미술의 큰 특징인 것 같다. Baltasar Gracian에 대한 대화를 마치면서 "미적 맛"(그는 그것을 "고미한 맛"이라고 부름)의 의미에서 "맛"의 개념을 도입한 사람이 바로 그 사람이라는 점에 주목합니다. 이 개념으로 그는 인간의 인지 능력 중 하나를 지정했으며 특히 미와 예술 작품에 대한 이해에 중점을 두었습니다.

Tesauro의 논문의 주요 주제는 Gracian의 것과 동일한 "위트"이며, 위트에 대해 말하면 철학자는 아름다움의 본질을 이해하는 데 동일한 주관주의와 이성보다 "재능"을 높이려는 동일한 열망을 나타냅니다. 테사우로에 대한 방법론적 지침은 그의 말로 아리스토텔레스의 수사학이라는 점에 유의해야 합니다. 그의 논문의 첫 단락 중 하나에서 그는 다음과 같이 씁니다. 검색과 관찰에 의존하여 내 생각에 대한 가장 확실한 증거를 찾을 수 있습니다.”

테사우로는 위트를 어떻게 해석합니까? 이 개념에 대한 그의 접근 방식은 일반적으로 수사학적이라고 할 수 있습니다. 그런 다음 그들은 세련된 진술, 즉 재치 있고 우아한 문구, 설명도 이해하기 시작했습니다. 이제 그들은 세련된 판단을 추가했으며 가장 큰 이유이며 Witty 개념이라고해야합니다. 따라서 그러한 개념의 도움으로 배열된 모든 연설, 시, 비문, 비문, 찬사 및 비문을 위트라고 부를 것입니다.

재치의 주요 자질은 "통찰력"과 "수완"입니다. 통찰력은 다양한 대상의 가장 숨겨진 특성과 가장 작은 특성을 봅니다. 본질, 재료 및 형태, 속성, 원인, 의미, 종류, 목적, 성향, 유사성과 발산, 동등성, 우월성 및 열등성, 구별되는 기호, 이름 및 이중 이해의 가능성 - 한마디로, 탐구되지 않고 주목받지 못한 채 남아 있는 것은 없습니다. 그리고 결국, 모든 기존 주제에는 숨겨진, 깊이 숨겨진 무언가가 있습니다. 지략에 관해서는, “이러한 눈에 띄는 특성을 즉시 비교하고, 서로 연결하거나, 각각이 대상의 가시적 모양과 상관 관계를 맺은 다음 관찰을 결합하거나 반대합니다. 필요에 따라 과소 평가하거나 과장합니다. 하나는 다른 하나에 대한 인과적 의존에 놓여 있습니다. 하나는 다른 하나를 알아차린다. 마지막으로 Figlyar의 놀라운 손재주 덕분에 하나의 속성이 다른 속성 대신 우화 그림에 놓였습니다.

여기에서 재치를 "버푼"의 손재주와 비교하는 것은 흥미 롭습니다. "셔플링"은 일반적으로 의도적으로 경솔하고 종종 패러디하고 엉뚱한 역할을하는 것으로 구성됩니다. 그런 면에서 마법사의 기술과 비슷하다. 분명히 Tesauro가 기능을 강조하는 것이 중요합니다. 외부 스타일실제로 위트가 나타나는 미적 게임: 우리는 그 의미가 순수한 "쇼맨십"-손재주, 우아함, 상상을 강타하는 효과의 의외성 등으로 축소될 수 있는 것 같습니다. 그러나 이것은 겉모습일 뿐입니다. 위트는 물론 게임이지만 사물의 "숨겨진" 특성에 대한 지식을 기반으로 하고 세계에 대한 새로운 이미지를 생성하는 게임입니다. 역설적인 "대응". 더욱이, 재치는 가장 높은 예술로서, 사람이 신 자신을 모방하는 것입니다. 신은 "종종 그의 피조물에게 시인이자 놀라운 재치로 나타납니다. 그는 사람들과 천사에게 말하면서 우화적인 잠언과 상징적 말을 퍼뜨리고 포장합니다. 최고의 비밀로 가득 찬 그의 개념 주위에".

Tesauro에 따르면 재치 있는 표현의 주요 장치는 알레고리입니다. 비유에는 비교, 우화, 과장법, 환유 등 다양한 유형이 있습니다. 하지만 가장 중요한 것은 은유. 그녀는 철학자가 말했듯이 "시, 재치, 개념, 상징 및 영웅적 좌우명의 어머니", "인간 정신의 창조물 중 가장 재고와 통찰력, 놀랍고 눈에 띄고, 장려하고 유용하며, 풍부하고 분열적"입니다. .

아리스토텔레스의 망원경에 나타난 은유의 교리는 본질적으로 바로크 미술의 일반 이론이며, 여기서 테사우로는 실제로 바로크 시대의 보일로이다. 그는 다음과 같이 씁니다. "생각을 멀리 옮기고 이를 위해 그 힘으로 다른 단어를 한 범주에서 다른 범주로 승화하고 개념 자체가 변형되어 다르게, 완전히 다르게 보이게 합니다. 이러한 방식으로 유사점 이질적인 것들에서 드러난다" . 그리고 한 가지 더: “Metaphor의 진정한 완성을 위해서는 그 안에 숨겨진 아주 깊은 개념이 가능한 한 멀리 떨어져서 특별한 재능과 훈련이 필요하고 굴러 떨어지고 올라갈 수 있는 능력이 요구되는 것이 가장 이상적입니다. 하나의 정신으로 여러 단계를 거쳐. 작가는 재치 있게 은유를 사용하여 “비존재로부터 존재를 창조한다. 그의 사자는 사람으로 변하고 독수리는 도시 전체로 변합니다. 샤프마인드는 물고기와 여자를 교배하여 패팅의 상징인 사이렌을 생성합니다. 그는 염소 몸의 앞부분에 뱀의 꼬리를 더하여 광기의 상형 문자인 키메라가 탄생합니다.

은유는 독창성, 놀라움 및 "놀라움"(놀라게 하고 놀라게 하는 능력)이 특징입니다. 기술된 주제의 놀라운 본질” . 또한 은유는 일반적인 비 은유적 언어로는 표현할 수 없는 복잡한 의미를 표현합니다. 가능하다."

나는 또한 테사우로의 세계 자체가 "신의 은유"라고 말해야 합니다. 따라서 예술의 은유는 환상적이고 환상적으로 보이지만 본질적으로 우주의 내부 구조와 일치합니다.
4. 중세 상징과 바로크 은유
마지막 강의 중 하나에서 중세 시대의 세계는 상징의 집합체라고 했습니다. 테사우로는 다음과 같이 주장합니다. 세상은 신성한 은유입니다. 이들두 포지션의 차이점은 무엇인가요?

우선, 차이점은 상징적 인 관계 (정확히 중세 버전에서)와 함께 상징의 의미가 다소 엄격하게 해석된다는 것입니다. 예를 들어 붉은 색이며 그리스도의 피와 관련 될 수 있습니다 , 또는 하나님의 어머니의 자비로, 또는 다른 어떤 것으로. 모든 다양한 해석과 함께 여기서 기표에 대한 기의의 대응이 명확하고 심지어 모호하지 않게 확립되는 것이 중요합니다. 은유에 대해 이야기할 때 더 이상 그러한 모호성을 허용할 수 없습니다. 은유는 ​​말하자면 영원히 "준비되지 않은" 유동적인 의미이기 때문입니다. 은유에는 항상 과소 평가, 과소 결정이 있습니다. 동시에, 그녀는 반대되는 대상 사이의 경계를 "투명하게"하려고 노력합니다. 경이적으로 반대되는 것(주관과 객관적, 실제와 비물질, 조밀함과 희박함, 고체와 유동, 멀고 가까움, 지역과 우주 등)과 noumenal(물질과 이상, "하늘의"과 "땅의", 자연과 문화, 인간과 초인간). 그러므로 은유는 양립할 수 없는 것, 닮지 않은 것의 수렴, 서로 반대되는 것의 끊임없는 "흐름"의 신비하고 임의적인(마음에 의해 통제되지 않는) 조합을 허용합니다(참조. Roman Jacobson 및 Paul Ricoeur: 은유 - " 분할 참조").

또한 상징적 관계는 전체로서의 우리의 의식에서 그들과 관련된 우리의 "성향"과 무관하게 완전히 객관적인 것으로 인식됩니다. 그리고 원칙적으로 해석의 자의성은 허용되지 않습니다. 반면에 은유는 주관적으로 해석되며, 은유의 다양한 설명, 해독은 어떤 식으로든 우리가 그것을 보는 방식, 우리가 그 안에서 "파악"하는 것에 달려 있습니다. 은유는 객관적이지도 주관적이지도 않고 오히려 주관적-객관적 인 통일성이있는 의미 론적 관계입니다. 불가분, 세계와 인간의 통일. 바로크 문화에서 모든 것이 정확히 이렇습니다. 의식과 세계는 라이프니츠 모나드의 원리에 따라 처음에는 말하자면 서로 "포함"되어 하나의 전체를 형성합니다(비록 아주 공상적으로 조직되고, 변할 수 있고, 신비스럽긴 하지만 , 항상 말하지 않음). 따라서 Gilles Deleuze는 바로크 예술의 이미지를 부드러운 접힌 물질과 비교하면서 다음과 같이 썼습니다. 이 세계의 작은 부분(cf. 이것은 Caravaggio 또는 Dosso Dossi의 바로크 키아로스쿠로 회화의 효과와 함께입니다. 주의), 각각은 고유한 세계를 가지고 있으므로 각 영혼에서 접히거나 접히지만 매번 다른 방식으로 접히게 됩니다. 왜냐하면 이 접힌 부분의 아주 작은 면만 빛나고 있기 때문입니다.

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M.V의 이름을 따서 명명. 로모노소프

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"바로크의 미학"

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목차

바로크 시대에 비극적 인 영웅이 무대에 들어서고 지상과 하늘의 모든 요소에 도전합니다. 그는 하늘로 향합니다. "하나님, 당신이 존재한다면 어떻게이 모든 것을 견딜 수 있습니까?" 음악 예술은 대조와 다양성으로 모든 인간의 열정을 전달하기 위해 노력했으며 따라서 합창 다성음이 아닌 선율 단성음을 선택했습니다. 음악은 비극적이 되고, 르네상스의 고요한 명료함을 격퇴하는 것 같습니다. 많은 작곡가들이 고통받는 마음의 슬픔을 쏟아내기 위해 아리아 장르로 눈을 돌리기 시작했다. 그러나 모든 정신적 고뇌에도 불구하고 음악은 믿음으로 가득 차 있으며 절망은 없습니다. 비극적 인 질문이 그에게 향하고 주님께, 의심을 없애고 인생의 시련에서 그를 지원해야 하는 전능자이십니다. 작곡가의 성경 구절에 대한 "다윗의 시"의 내용과 분위기는 이러하다.17하인리히 슈츠의 세기. 그리고 기적이 일어납니다. 세상의 불완전성에 실망했지만 영은 강했던 사람이 마침내 마음의 평화와 기쁨을 찾습니다. 그러나 이제 그는 의심, 반성 및 힘든 투쟁을 찾아야합니다. 마음의 평화와 기쁨은 더 이상 하나님이 보내지 않습니다.

바로크 시대의 세계는 수직적으로 하늘-지옥-지옥의 세 영역으로 명확하게 구분되어 제시되었고, 사람은 방랑자, 순례자로 밝혀졌다. S. A. Gudimova는 다음과 같이 썼습니다. “바로크 시대의 세계 그림은 기독교 우주로 나타났습니다. 세계-대우주는 인간-소우주가 공연하는 무대 위의 극장으로 이 무한한 세계에 안주하며 그 구조를 반복했다. ».

르네상스에 영감을 준 자연적 조화의 아이디어는 뉴에이지의 도래와 함께 배경으로 사라졌습니다. 시대의 연결이 끊어지고 바로크 시대의 모토는 모든 것에서 드러난 모순이었다. 가장 중요한 것은 이성과 감성, 이성과 감정의 모순이었다. 열정과 냉정한 계산은 서로 말다툼을 하는 듯 했고, 그 시대의 문화에서 지배적인 위치를 차지하고자 했다. 이 '분쟁'은 그 무엇에도 한계가 없는 이 시대의 기괴함을 더욱 강조했다. 바로크의 열정은 끝이 없었습니다. 기쁨은 언제나 환희로, 슬픔은 슬픔으로 바뀌었습니다. Thomas Carew는 그의 시 "보통에 대한 편협함"에서 이러한 매력을 과장법으로 매우 정확하게 전달했습니다.

저에게 사랑을 주십시오, 저에게 경멸을 주십시오.

충만함을 누리게 하소서.

나는 가장자리를 넘어서는 삶이 필요합니다 -

사랑에 참을 수 없는 평화!

불과 얼음 - 둘 중 하나!

지나친 것은 정신을 들뜨게 한다.

사랑이 하늘에서 내려오자

화강암 사이로 내리는 황금빛 비처럼

제우스가 다나에를 뚫었다!

증오가 천둥처럼 치게 하라

나에게 주어진 모든 것을 파괴합니다.

에덴과 지옥은 둘 중 하나입니다.

오, 내가 충만하게 마시게 하소서 -

영혼은 참을 수 없는 평화입니다.

과장에 대한 갈망은 다양한 수준과 다양한 유형의 예술에서 바로크 시대에 나타났습니다. 과도한 정서적 충만, 일상의 틀에서 벗어나고 싶은 욕망은 음악, 그림 및 건축의 특징입니다. 바로크 양식은 비대칭, 과도한 디테일, 풍부함을 추구합니다.

시대가 모순으로 가득 차 있었기 때문에 바로크 시대에는 감정과 감정과 함께 합리주의가 두드러졌습니다. 그것은 음악 전체의 다양한 측면과 측면이 반대 방향에 대응하는 것처럼 보일 때 음악 예술에서 특별한 힘으로 나타났습니다. , 열정의 강도는 명확한 구조적 조직 전체와 리드미컬한 규율에 의해 균형을 이룹니다. 바로크 문화에서 감정과 이성 사이의 모순은 개인과 수사학의 모순으로 보완된 새로운 측면을 얻었으며, 이는 Girolamo Fontanello의 "상상의 사랑"시에 반영되었습니다.

나는 말과 펜으로 말한다

천둥을 알지 못하는 눈의 번개에 관하여.

눈물을 흘렸지만 이건 리셉션일 뿐,

그리고 덩어리의 목구멍에서 - 혼수 상태가 아닙니다. .

바로크의 예술적 연설에서 개별화는 잘 알려진 쓰기 기술, 형식 및 플롯이 매번 다른 맥락에서 사용되어 저자가 다르게 해석할 수 있기 때문에 발생했습니다.

바로크 시대는 자신의 우화 신화를 창조했습니다. 신화 속 인물은 희망, 자비, 믿음, 위로, 교회, 사랑뿐만 아니라 섬, 세계 국가, 도시였습니다. 이러한 우화적 인물은 추상적인 개념의 운반자 역할을 했으며 자연의 현상과 힘을 의인화했습니다. 고대 신들은 새로운 속성으로 자란 복잡한 상징과 비유 시스템에 들어갔습니다. 그렇기 때문에 엠블럼 장르는 바로크 시대의 지배적인 장르 중 하나가 되었습니다.

호모포닉 창고가 열리면서 슬픔과 기쁨은 이제 음악적 표현만 필요했기 때문에 메이저와 마이너도 선두주자로 두각을 나타냈다. 바로크 시대에 또 다른 발견이 이루어졌습니다. 즉, 복잡한 연결과 음색의 도움으로 감정적 경험의 출현과 해결의 감지할 수 없는 과정을 전달하려는 모달 중력입니다. 음악에서 두 가지 반대되는 원리인 장조와 단조의 발견과 형식 중력의 발견은 음악이 자연스러운 조화의 몰입에서 보편적인 열정, 또는 당시에는 정동으로 불렸던 묘사로 이동할 수 있게 해주었습니다.

새로운 시대의 도래와 함께 리드미컬한 측면도 변화를 겪었다. 중세 초기부터 르네상스 말까지 시간은 얼어붙은 듯 정적이고 영원한 것 같았다. 바로크 시대에는 인간이라는 주제의 출현과 함께 시간 개념도 바뀌었습니다. "주 하나님의 영원하고 무한한 시간이 인간 삶의 유한한 시간으로 바뀌었다." 공간이동과 시간이 전진한다는 발상은 기본이 되었다. 지나가는 매 순간이 소중하게 여겨지기 시작했고 필연적으로 지상 존재의 종말을 더 가까이 가져오는 순간들이었다. 이것은 음악에도 반영되었습니다. 길지 않고 짧은 음표가 음악적 리듬의 일반적인 단위가 되었습니다. 그 당시의 음악 연설은 동등한 척도로 나뉘기 시작하여 강조되었습니다.

영혼의 모든 풍부함과 다양성을 표현하려는 열망과 관련하여 새로운 음악 장르와 형식이 등장했습니다. 이 과정의 시작은 17세기 초 오페라의 탄생으로 표시됩니다. 또한 "오페라 같은"관악 장르인 칸타타와 오라토리오가 등장했습니다. 기악은 독립적인 의미를 얻었다. 전주곡과 푸가, 기악 협주곡, 무용 모음곡 등 새로운 장르와 형식이 탄생했습니다. 요소들이 서로를 반영하는 작업은 바로크 시대에 완전하고 완전한 것으로 간주되었습니다. 예술 작품을 평가하는이 기준은 존재하는 모든 것의 불가분의 연결에 대한 세계 요소의 상호 의존성에 대한 바로크 시대의 아이디어와 관련이 있습니다.

결론

따라서 바로크 양식이 등장했습니다.17세기, 이탈리아에서 르네상스 사상의 위기를 배경으로. 새로운 스타일의 첫 번째 과제는 부와 권력의 환상, 가톨릭 교회와 이탈리아 귀족의 부상을 만드는 것이 었습니다. 그러나 바로크 시대를 르네상스에서 계몽주의로의 이행기로만 보는 것은 잘못된 것이다. 바로크는 예술 발전의 독립적인 단계이며, 그 출현의 이유는 이탈리아의 경제적, 정치적 문제뿐 아니라 유럽 사회 전체의 분위기를 반영한 ​​새로운 스타일입니다.

바로크 미학의 본질은이 시대에는 인간이 가장 합리적인 존재라는 르네상스 개념뿐만 아니라 고대에 합리적이고 끊임없는 통일체로 확립 된 세계에 대한 아이디어가 변경되었습니다. 바로크 미학에서 추한 것이 때로는 르네상스와 같이 아름다운 것으로 간주되었습니다. 바로크는 권위와 전통을 그 자체가 아니라 편견으로, 구식의 실체로 거부하기 시작합니다. 바로크의 경우 새로운 형태는 아름다움, 주변 세계, 마음에 대한 지식에 중요합니다.

바로크의 본질은 인본주의 지향적이지만 사회적으로 비관적인 세계와 개인의 위기 개념을 반영합니다. 그것은 인간의 능력에 대한 의심, 존재의 무익함, 패배 할 선의 운명에 대한 감각을 포함합니다. 악과의 싸움. 바로크의 주요 특징은 감성, 분명한 역동성, 감성, 이미지의 대비가 증가했습니다. 불합리한 효과와 요소가 매우 중요합니다. 이러한 특징은 여러 유럽 국가의 건축 및 조각, 음악, 문학 및 예술에서 가장 분명하게 나타납니다.

서지

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