Travail de cours

"Esthétique baroque"

INTRODUCTION

1.1 Causes du baroque

1.2 Origine du terme "Baroque"

Chapitre II. L'essence et les exemples de l'incarnation de l'esthétique baroque

2.1. Essence, principes et esthétique du baroque

2.2 Exemples d'incarnation de l'esthétique baroque

CONCLUSION

Liste de la littérature utilisée

INTRODUCTION

On sait que dans l'histoire de la culture, chaque époque est un entrelacement de divers processus reflétant son essence et sa réalité de différentes manières. L'époque baroque en est un exemple frappant.

Le baroque est une culture européenne des XVIIe-XVIIIe siècles, dont les principales caractéristiques sont le contraste, le désir de grandeur et de luxe, la combinaison de la réalité avec l'allusion, le dynamisme des images et la tension. Le baroque est apparu en Italie (Florence, Venise, Rome) et de là s'est répandu dans toute l'Europe. L'ère baroque est considérée comme le début de l'implantation des fondations de la « civilisation occidentale » dans le monde ; elle a largement prédéterminé la dynamique de la formation des cultures d'autres époques. Le style baroque, à mesure qu'il se répand, devient populaire à la fois en Occident et en Russie.

Avec un certain degré de probabilité, on peut affirmer que le baroque affecte encore directement la culture de la modernité - à travers l'art de ses représentants exceptionnels, désormais conservés dans des musées ou exposés au public, en tant qu'exemples de l'architecture des villes européennes. Cela détermine la pertinence d'étudier l'époque baroque.

Nous formulons les principaux buts et objectifs de ce cours.

L'objectif principal pour nous sera d'étudier l'époque baroque dans son ensemble : son essence, son histoire, sa signification.

Conformément à l'objectif, nous soulignons les tâches suivantes du travail de cours:

Identifier les raisons de l'émergence du baroque en tant que style culturel ; se familiariser avec l'histoire du terme baroque;

Analyser l'essence et les principes du baroque, étudier les bases de l'esthétique baroque, donner des exemples de l'incarnation du baroque dans l'art européen aux XVIIe et XVIIIe siècles.

Ces buts et objectifs forment la structure du travail de cours, qui consiste en une introduction, la partie principale, composée de deux chapitres de deux paragraphes chacun, une conclusion, une liste de références et des applications.

Lors de l'étude de l'ère baroque, nous avons utilisé le livre conceptuel de H. Welfin "Renaissance et baroque", qui nous a permis de comprendre l'essence de cette ère culturelle, ainsi que des publications fondamentales telles que l'Histoire générale en 24 volumes, édition 1997, l'histoire de l'art des pays étrangers, année 1980, ainsi que l'histoire mondiale de l'architecture en 1978. En outre, nous avons utilisé la littérature spéciale des auteurs suivants Yu. Boreev, A. Vasiliev, M. Vinogradov, F. Dass, V Kolomiets, T. Livanova et V. Lipatov, ainsi que quelques autres.

Chapitre I. Baroque: l'histoire de l'apparition, le sens du terme

1.1 Causes du baroque

Chronologiquement, le baroque est apparu au XVIIe siècle. Une telle chronologie implique que ce style a remplacé la Renaissance. C'est pourquoi, il est souvent d'usage de désigner l'époque dans laquelle la Renaissance s'est dissoute ou, comme on dit souvent, dans laquelle la Renaissance a dégénéré, il est souvent d'usage de désigner le mot "Baroque" par le mot "Baroque".

En effet, le baroque est né en Italie, c'est-à-dire le pays où la Renaissance s'est manifestée le plus fortement. C'est pourquoi, dans le cadre de l'étude des causes de l'apparition du baroque, il paraît nécessaire de donner une brève description de la Renaissance.

Ainsi, la Renaissance est une époque dans l'histoire de la culture européenne. Le cadre chronologique de son apogée est les XIV - XVI siècles. Un trait distinctif de la Renaissance, ou Renaissance, est l'orientation laïque de sa culture et son intérêt pour l'homme et ses activités, c'est-à-dire ce qu'on appelle le terme d'anthropocentrisme. Pendant cette période, l'intérêt pour la culture ancienne se manifeste, sa "renaissance" a lieu, à partir de là ce terme est apparu. En Italie, comme dans le pays où est apparue la Renaissance, la peinture, la musique, l'architecture et la littérature atteignent de nouveaux sommets. La Renaissance atteint son apogée à la fin du XVe siècle et au XVIe siècle commence la crise de ses idées. Les historiens de la culture notent que c'est durant cette période que les premiers rudiments de nouvelles idées de maniérisme et de baroque sont apparus.

Ainsi, le baroque est apparu dans le contexte de la crise des idées de la Renaissance et est apparu au même endroit où la Renaissance a atteint sa plus grande prospérité - en Italie.

Analysons les raisons de ce phénomène apparemment paradoxal.

Comme indiqué ci-dessus, le baroque se caractérise par le contraste, la tension, le dynamisme des images, le désir de grandeur et de splendeur, de combiner réalité et illusion, de fusionner et en même temps - une tendance à l'autonomie des genres individuels.

Les fondements idéologiques du style se sont formés à la suite d'un choc, comme l'ont été la Réforme et les enseignements de Copernic au XVIe siècle. La notion du monde, établie dans l'Antiquité, en tant qu'unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance de l'homme en tant qu'être le plus rationnel, ont changé. L'homme a cessé de se sentir « être raisonnable » ayant foiré, il a, selon les mots de Pascal, conscience de lui-même « quelque chose entre tout et rien » ; "à ceux qui ne saisissent que l'apparence des phénomènes, mais ne sont capables de comprendre ni leur début ni leur fin"

L'Italie du XVIIe siècle est un pays auquel le style même de la Renaissance est associé, comme on dirait maintenant - un pionnier. Cependant, dans le même temps, ce pays perd drastiquement son pouvoir économique et politique et commence à jouer un rôle secondaire dans la politique européenne. De plus, des usurpateurs viennent sur son territoire - des soldats français et espagnols. Le pays devient une semi-colonie divisée.

Cependant, l'Italie, et surtout Rome, restait le centre culturel de l'Europe. Peu à peu, en raison de ces, pourrait-on dire, moments socio-économiques, un nouveau style commence à naître, dont la première tâche était de créer l'illusion de la richesse et du pouvoir, l'exaltation de l'Église catholique et de la noblesse italienne, qui , hormis les leviers culturels d'influence, n'avait rien. Peu à peu, le baroque commence à rejeter l'autorité et la tradition comme des préjugés. Le principal leitmotiv du baroque de cette époque était le rejet de l'âme et le passage à l'illumination et à la raison.

Cependant, il n'est pas correct de considérer l'époque baroque uniquement comme une période de transition de la Renaissance aux Lumières. Le baroque est une phase indépendante du développement de l'art et les raisons de son apparition ne sont pas seulement les problèmes économiques et politiques de l'Italie. De plus, le baroque, bien qu'apparu en Italie, s'est répandu très rapidement dans toute l'Europe.

Partant de ce postulat, il paraît nécessaire de donner une description générale de l'Europe occidentale au XVIIe siècle.

L'Europe occidentale dans son ensemble, durant cette période, entre dans une nouvelle ère de relations socio-économiques et politiques. Cette période se caractérise principalement par le choc des visions du monde de classe, la lutte entre le féodalisme traditionnel et le capitalisme progressiste. Dans un certain nombre d'États (par exemple, en France et en Autriche), il y a une centralisation du pouvoir d'État, une transition vers l'absolutisme. Cependant, ce processus lui-même est clairement inégal. Voici quelques exemples de pays européens :

Une révolution bourgeoise a déjà lieu en Hollande et les relations bourgeoises se sont développées ;

En France, déjà mentionnée, le pouvoir absolu du roi fleurit ;

Le renversement du roi et la révolution bourgeoise ont lieu en Angleterre ;

L'Italie devient une semi-colonie divisée ;

L'Espagne est une périphérie arriérée ;

L'Allemagne est la somme des petites principautés, de plus, la guerre de Trente Ans s'y déroule.

Partout en Europe, les couches sociales dominantes deviennent la bourgeoisie, la paysannerie et l'aristocratie. Cependant, avec tout le développement inégal des pays européens dans leur culture, de plus en plus d'influence est donnée à de nouveaux points fondamentaux, qui sont devenus la base du baroque.

La base idéologique de la diffusion du baroque en Europe était l'affaiblissement général de la culture spirituelle, la scission de l'Église - en conséquence, la chute de son autorité, la lutte des enseignements qui reflétaient les intérêts des différentes classes. Le catholicisme demeurant la base idéologique des tendances féodales, le protestantisme reflétait les intérêts de la bourgeoisie. Dans le même temps, le rôle des institutions étatiques s'accroît, la lutte entre principes laïcs et religieux s'intensifie. Les sciences naturelles se développent rapidement - optique, physique, thermodynamique et géographie.

Ainsi, nous mettons en évidence les principales raisons de la diffusion du baroque.

Chronologiquement, le baroque apparaît au XVIIe siècle en Italie, sur fond de crise des idées de la Renaissance. L'Italie elle-même pendant cette période perd son importance économique et politique et devient une semi-colonie désunie, tout en continuant d'être le centre culturel de l'Europe. Peu à peu, en raison de ces raisons socio-économiques, un nouveau style commence à naître, dont la première tâche était de créer l'illusion de la richesse et du pouvoir, l'exaltation de l'Église catholique et de la noblesse italienne, qui, outre les leviers culturels d'influence, n'avait rien;

En même temps, il n'est pas correct de considérer l'époque baroque uniquement comme une période de transition de la Renaissance aux Lumières. Le baroque est une phase indépendante du développement de l'art et les raisons de son apparition ne sont pas seulement les problèmes économiques et politiques de l'Italie. De plus, le baroque, bien qu'apparu en Italie, s'est répandu très rapidement dans toute l'Europe. Sur cette base, on peut affirmer que le baroque reflétait l'humeur de toute la société européenne, était en demande et ne pouvait donc pas se développer sans conditions préalables, et ces conditions préalables étaient largement différentes dans différents pays européens;

La base idéologique de la diffusion du baroque en Europe était l'affaiblissement général de la culture spirituelle, la scission de l'Église - en conséquence, la chute de son autorité, la lutte des enseignements qui reflétaient les intérêts des différentes classes. Dans le même temps, le rôle des institutions étatiques s'accroît, la lutte entre principes laïcs et religieux s'intensifie. Les sciences naturelles se développent rapidement - optique, physique, thermodynamique et géographie. Cela signifie que les conditions préalables au principal leitmotiv du baroque apparaissent - le rejet de l'âme, de l'anthropocentrisme et de la Renaissance dans son ensemble, au profit de l'illumination et de la raison.

BAROQUE(Barosso italien bizarre, artsy, étrange) - un style artistique dans l'art européen de la fin du XVIe au milieu du XVIIIe siècle. (en Allemagne, en Russie jusqu'à la fin du XIXe siècle).

Le baroque est né en Italie au XVIe siècle. comme un reflet de la crise des idées et des principes artistiques de la Renaissance, profondes contradictions d'ordre politique, social et religieux. L'idée de l'harmonie du monde et l'idée des possibilités illimitées de l'homme s'effritent. L'art majeur du baroque est l'architecture ; art appliqué, peinture, sculpture.

À architecture baroque le début décoratif l'emporte sur le constructif. La tâche artistique est d'étonner, d'éblouir de splendeur. Au strict sens des proportions des œuvres des artistes de la Haute Renaissance se substitue une fantastique richesse et variété des décors, parfois au détriment de la beauté. Les contours curvilignes, l'asymétrie, la ligne ascendante dominante, la complexité de la composition, la division peu claire de l'espace sont les caractéristiques des structures architecturales baroques. Des pilastres richement ornés sont utilisés, les colonnes deviennent un élément purement décoratif, elles cessent de porter une charge constructive. Cariatides, atlantes, ornements surchargés de stucs, niches et portiques, galeries avec statues, les jeux d'ombres et de lumières sont conçus pour influencer les émotions du spectateur.

Tels sont les palais de Versailles, Sanssouci, le Palais d'Hiver. L'intérieur correspond aux nouveaux goûts: les angles du plafond et des murs sont lissés, les plafonds et les murs sont décorés de peintures richement colorées, de stucs, de rosaces dorées, les chambres sont richement décorées de tapisseries, statues, miroirs. Sols marquetés, lustres en cristal, meubles élégants sur pieds fins complètent la décoration du palais. Les motifs de catastrophes dévastatrices (Global Earth, Hell), le martyre, la lutte de tout ce qui provoque la tension des forces spirituelles et physiques prédominent dans les fresques. Ce sont, en règle générale, des compositions à plusieurs figures, où tout est en mouvement, sous des angles inhabituels, avec de nombreux détails purement décoratifs. Le début vivifiant y coexiste avec l'ascétisme, délibérément grossier et exquis (Rubens, Van Dyck, sculptures du Bernin). Les portraits sont cérémoniels et théâtraux avec tous les accessoires du pouvoir.

À Littérature baroque- la forme prend plus d'importance que le fond, les moyens figuratifs et expressifs acquièrent une valeur autonome. Les constructions syntaxiques compliquées sont largement utilisées, la syllabe prétentieuse et élevée avec une abondance d'images mythologiques grotesques. Les poèmes sont imprimés sous la forme d'une croix, d'un losange, d'un cercle. Les tragédies regorgent d'horreurs et de scènes sanglantes. Les comédies pétillent d'humour et de trouvailles verbales inattendues (P. Calderon, A. Gryphius, Tirso de Molino, S. Polotsky).

Le baroque en musique présenté par G. Gabrieli, M. Chesti (Italie). Ils s'appellent Waha et Haendel, mais leur génie a dépassé le baroque. Grandeur, complexité de composition, richesse d'intonation, drame, reflet profond du monde des passions humaines sont les principales caractéristiques de leur œuvre (telles sont les majestueuses "La Passion selon Jean" et "La Passion selon Matthieu" de J. S. Bach, les concerts et oratorios de G. F. Haendel). Certaines caractéristiques du baroque sont utilisées par les tendances modernistes modernes de l'art.

Saviez-vous que l'époque qui nous a donné Bach et Haendel était qualifiée de "fantastique" ? Et ils ont été appelés loin d'être dans un contexte positif. "Une perle de forme irrégulière (bizarre)" est l'une des significations du terme "Baroque". Pourtant, la nouvelle culture se trompait du point de vue des idéaux de la Renaissance : l'harmonie, la simplicité et la clarté ont été remplacées par la disharmonie, les images et les formes complexes.

Esthétique du baroque

La culture musicale du baroque mêlait le beau et le laid, la tragédie et la comédie. "Dans la tendance" il y avait des "mauvaises beautés" qui ont remplacé le naturel de la Renaissance. Le monde ne semblait plus intégral, mais était perçu comme un monde de contrastes et de contradictions, comme un monde plein de tragédie et de drame. Cependant, il y a une explication historique à cela.

L'ère baroque couvre environ 150 ans : de 1600 à 1750. C'est le temps des grandes découvertes géographiques (rappelez-vous la découverte de l'Amérique par Christophe Colomb et la circumnavigation de Magellan), le temps des brillantes découvertes scientifiques de Galilée, Copernic et Newton, le temps des guerres terribles en Europe. L'harmonie du monde s'effondrait sous nos yeux, tout comme l'image même de l'Univers changeait, les concepts de temps et d'espace changeaient.

Genres baroques

La nouvelle mode de la prétention a donné naissance à de nouveaux et. Elle a su transmettre le monde complexe des expériences humaines opéra, principalement à travers des arias émotionnelles lumineuses. Jacopo Peri (opéra Eurydice) est considéré comme le père du premier opéra, mais c'est précisément en tant que genre que l'opéra a pris forme dans les œuvres de Claudio Monteverdi (Orphée). Parmi les noms les plus bruyants du genre d'opéra baroque sont également connus: A. Scarlatti (l'opéra Nero Who Became Caesar), G.F. Telemann (« Mario »), G. Purcell (« Didon et Enée »), J.-B. Lully (« Armide »), G. F. Haendel (« Jules César »), G. B. Pergolesi (« La Pucelle-Madame »), A. Vivaldi ("Farnak").

Presque comme un opéra, seulement sans décors ni costumes, avec une intrigue religieuse, oratorio occupait une place importante dans la hiérarchie des genres baroques. Un genre aussi spirituel que l'oratorio transmettait également la profondeur des émotions humaines. Les oratorios baroques les plus célèbres ont été écrits par G.F. Haendel ("Messie").

Parmi les genres de musique sacrée, la musique spirituelle était également populaire. cantates et passions(les passions sont des "passions"; peut-être pas au fait, mais juste au cas où, rappelons-nous un terme musical à racine unique - appassionato, qui signifie "passionnément" en russe). Ici, la palme appartient à J. S. Bach (Matthew Passion).

Un autre genre majeur de l'époque - concert. Jeu vif des contrastes, rivalité entre le soliste et l'orchestre ( concert solo), ou différents groupes de l'orchestre entre eux (genre concerto grosso) - fait bien écho à l'esthétique du baroque. Maestro A. Vivaldi ("Les Quatre Saisons"), J.S. Bach "Concertos brandebourgeois"), G. F. Haendel et A. Corelli (Concerto grosso).

Le principe contrasté d'alternance de diverses parties n'a pas été développé uniquement dans le genre du concerto. Il a formé la base sonates(D.Scarlatti), suites et partitas (JS Bach). Il convient de noter que ce principe existait également plus tôt, mais ce n'est qu'à l'époque baroque qu'il a cessé d'être aléatoire et a acquis une forme ordonnée.

L'un des principaux contrastes de la culture musicale baroque est le chaos et l'ordre en tant que symboles du temps. L'accident de la vie et de la mort, l'incontrôlabilité du destin, et en même temps - le triomphe du "ratio", l'ordre en tout. Cette antinomie a été le plus clairement véhiculée par le genre musical préludes (toccata, fantasmes ) et fugues. EST. Bach a créé des chefs-d'œuvre inégalés dans ce genre (préludes et fugues du Clavier bien tempéré, Toccata et Fugue en ré mineur).

Comme il ressort de notre revue, le contraste baroque se manifestait jusque dans l'échelle des genres. Parallèlement aux compositions volumineuses, des opus laconiques ont également été créés.

Langage musical du baroque

L'ère baroque a contribué au développement d'un nouveau style d'écriture. Entrer dans l'arène musicale homophonie avec sa division en voix principale et accompagnement.

En particulier, la popularité de l'homophonie est également due au fait que l'église a imposé des exigences particulières à l'écriture des compositions spirituelles : tous les mots doivent être lisibles. Ainsi, le chant est venu au premier plan, acquérant, de surcroît, de nombreuses décorations musicales. La tendance baroque à la prétention s'est également manifestée ici.

La musique instrumentale était également riche en décors. En conséquence, il était répandu improvisation : la basse ostinato (c'est-à-dire répétitive, inchangée), découverte à l'époque baroque, laissait place à l'imagination sur une série harmonique donnée. Dans la musique vocale, cependant, de longues cadences et des chaînes de notes de grâce et de trilles ornaient souvent les airs d'opéra.

En même temps s'épanouit polyphonie, mais dans une toute autre direction. La polyphonie baroque est le développement du contrepoint.

Une étape importante dans le développement du langage musical a été l'adoption du système de tempérament et de la formation. Deux principales ont été clairement définies - majeures et mineures.

Théorie des affects

Puisque la musique de l'époque baroque servait à exprimer les passions humaines, les objectifs de la composition ont été révisés. Or chaque composition était associée à un affect, c'est-à-dire à un certain état d'esprit. La théorie des affects n'est pas nouvelle, elle remonte à l'Antiquité. Mais à l'époque baroque, il s'est généralisé.

Colère, tristesse, jubilation, amour, humilité - ces affects étaient associés au langage musical des compositions. Ainsi, l'affect parfait de joie et d'amusement a été exprimé par l'utilisation de tiers, de quarts et de quintes, d'un tempo fluide et d'une taille tripartite dans l'écriture. Au contraire, l'effet de tristesse a été atteint par l'inclusion de dissonances, de chromatiques et de tempos lents.

Il y avait même une caractérisation affective des tonalités, dans laquelle le dur mi bémol majeur associé au grincheux mi majeur s'opposait au plaintif la mineur et au doux sol majeur.

Au lieu de conclure...

La culture musicale du baroque a eu un impact énorme sur le développement de l'ère suivante du classicisme. Et pas seulement à cette époque. Même maintenant, des échos du baroque se font entendre dans les genres d'opéra et de concerto, qui sont encore populaires aujourd'hui. Des citations de la musique de Bach apparaissent dans des solos de rock lourd, les chansons pop sont principalement construites sur la "séquence dorée" baroque et le jazz a dans une certaine mesure adopté l'art de l'improvisation.

Et déjà personne ne considère le baroque comme un style «étrange», mais admire ses perles vraiment précieuses. Bien qu'une forme bizarre.

1. Différences entre les attitudes esthétiques générales du baroque et de la Renaissance

Le baroque est l'un des soi-disant "grands styles" de la culture européenne, qui s'est épanoui au XVIIe siècle. Le terme "baroque" lui-même a commencé à être utilisé au XIXe siècle, dans les études rétrospectives de l'art de cette époque. Il existe différentes explications à l'origine du terme. « On pensait que le nom était dérivé du portugais perola baroca, qui signifie une perle précieuse. forme irrégulière, scintillant et irisé avec différentes couleurs de l'arc-en-ciel. Selon la deuxième version, barocco est un syllogisme scolastique complexe. Enfin, la troisième option - barocco signifie mensonge, tromperie. Épouser aussi d'A.V. Mikhailova : « Le mot même « baroque » est lié et fusionné avec « l'étrangeté » en tant que phénomène historique et culturel marqué ; selon la recherche, « baroque », mot à la forme interne fermée à la majorité de ceux qui l'utilisent, serait issu d'une sorte de symbiose de deux mots éloignés dans leur sémantique : « baroque » est aussi connu depuis le 13ème siècle. une figure d'un syllogisme menant à de fausses conclusions (parmi les symboles des syllogismes dans la logique scolastique), et une perle de forme irrégulière (du portugais).

L'esthétique du baroque diffère à bien des égards de l'esthétique de la Renaissance. À un certain égard, on peut aussi l'appeler l'antithèse de l'esthétique de la Renaissance.

1) Les penseurs de la Renaissance considéraient le plus souvent la beauté objectif dimension de la réalité (les néoplatoniciens voyaient sa source en Dieu, l'Un du Monde, des auteurs comme Alberti et Léonard l'attribuaient à la nature). Dans l'esthétique baroque, l'idée inverse dominait : le beau ici, en gros, était considéré comme un produit de subjectif attitude envers le monde, sa source a été vue dans l'imagination et "l'esprit" de l'artiste.

2) La Renaissance a continué la ligne de l'esthétique "mathématique", commencée dans l'Antiquité (prenons l'exemple de Léonard avec sa conviction que l'art est la plus haute des sciences et la plus parfaite des philosophies). Le baroque était opposé à toute « mathématisation » et rationalisation de l'esthétique ; au contraire, ses théoriciens traduisent très souvent l'esthétique dans le domaine de l'irrationnel.

3) Les penseurs de la Renaissance voyaient le but de l'art dans l'élévation de l'esprit et de l'âme de la connaissance relative et partielle à la connaissance absolue, de l'être conditionnel à l'être inconditionnel. Quant aux théoriciens du baroque, l'art est plutôt pour eux une forme d'évasion, une évasion d'une réalité ennuyeuse et fanée vers un monde de "rêves", d'illusions, de tromperies magnifiques, d'affects luxueux. Le réalisme de la Renaissance perd ici sa place, remplacé par quelque chose comme l'illusionnisme.

Pour comparer la Renaissance et le baroque, il convient de se référer à l'ouvrage de Heinrich Wölfflin "La Renaissance et le baroque". Ici, deux styles artistiques sont comparés de telle manière que le contraste des cultures elles-mêmes et des visions du monde qui les sous-tendent est mis en évidence. Par exemple : « La Renaissance est l'art d'une belle existence paisible. Elle nous donne cette beauté libératrice, qui est perçue comme un certain état général de bien-être, comme une augmentation uniforme de notre pouls vital. Dans ses créations parfaites, nous ne trouvons rien d'oppressé ni de contraint, rien d'inquiet ou d'agité. Au contraire, « le baroque ne donne pas un être heureux, son thème est un être émergent, transitoire, ne donnant pas la paix, insatisfait et ne connaissant pas la paix. L'humeur n'est pas résolue, mais passe à un état de tension passionnée.

En effet, le monde baroque est un monde d'états affectés, « limitants ». Ici, les frontières entre la réalité et un rêve, la conscience et les choses matérielles (en général - subjectives et objectives), "ce monde" et "l'autre monde" sont presque imperceptibles. "L'homme religieux du baroque est attaché au monde, parce qu'il se sent emporté avec le monde jusqu'à la cascade." Ce sentiment est profond eschatologiquement, cependant, selon Walter Benjamin, «l'eschatologie baroque n'existe pas», car une grande partie de ce qui appartient au transcendant, à l'au-delà est transféré à la réalité terrestre et devient le sujet d'une expérience directe (presque toujours exaltée de manière catholique): «Le l'autre monde est libéré de tout ce en quoi même le souffle le plus léger du monde est présent, et le baroque lui enlève beaucoup de choses qui ne se prêtent généralement à aucune sorte d'articulation, les mettant au jour dans leur plus haute élévation, dans une grossière forme, afin de libérer les derniers cieux et, en les transformant en vide, de les rendre capables un jour d'engloutir la terre avec une force catastrophique.

Chez Wölfflin, Renaissance et Baroque s'opposent selon les cinq traits suivants : linéarité / pittoresque ; plan / profondeur ; forme fermée / forme ouverte ; unité / pluralité ; clarté/obscurité. Ces signes peuvent également être perçus comme des caractéristiques symboliques générales de la vision du monde des deux époques, ses intentions principales (c'est à cet égard qu'ils nous importent). La Renaissance, selon Wolflin, est caractérisée par le graphisme, la plasticité, une définition préliminaire des formes et des frontières (ici les lignes suivent comme « le chemin du regard et l'éducateur de l'œil ») ; dans le baroque, l'indéfini des formes, la vision des masses indéfinies. Dans l'art de la Renaissance, on cultive le principe d'isolement plastique et de rigueur, de tectonique distincte et intense (rappelez-vous les sculptures de Michel-Ange). Le baroque n'a pas cette rigueur et cette unité. Il n'y a pas non plus de tension tectonique des formes elles-mêmes - elles sont floues, chatoyantes, dotées de la propriété d'une sorte d'incomplétude énigmatique. Considérons, par exemple, l'architecture baroque. Les formes lisses, arrondies, très instables et très « nerveuses » sont ici omniprésentes ; ici, nous rencontrons souvent des tentatives d'expansion de l'espace à travers le verre miroir, des techniques de peinture trompeuses, etc.

« Pas des formes individuelles », écrit Wölfflin, « pas des figures individuelles, pas des motifs individuels, mais des effets de masse ; pas limité, mais infini ! . C'est dans ce sens qu'il faut comprendre la remarque de Friedrich Nietzsche selon laquelle le nom du Bernin (le grand sculpteur et architecte de l'époque baroque) est « le nom de la mort de la sculpture » : les formes plastiques du Bernin sont dépourvues de rigueur, elles semblent couler les uns dans les autres, et les lignes qui les dessinent sont continuellement floues - de sorte que des volumes non pas statiques, mais mouvants et scintillants apparaissent, organisés, comme le dirait Wölfflin, selon le principe «pittoresque». On peut dire que ce « pittoresque » est le principe de la pensée « baroque » en général.

2. Justification philosophique et esthétique du baroque : Baltasar Gracian

Selon l'historien de l'esthétique V.P. Shestakov, « le style baroque n'a pas reçu d'expression théorique holistique et systématique en esthétique. Cependant, des déclarations individuelles, des préfaces d'œuvres poétiques et musicales donnent une idée des principes de base de l'esthétique baroque. Ce jugement n'est pas tout à fait exact : dans le cadre de la culture baroque, principalement en Espagne et en Italie, plusieurs grands traités d'un niveau philosophique assez élevé ont été écrits. Nous en examinerons brièvement deux ci-dessous.

D'une manière générale, la philosophie de l'art du baroque ne s'intéresse pas aux fondements objectifs du beau ou du laid ; son attention est rivée aux conditions subjectives de la perception esthétique et de la créativité (ce n'est pas un hasard si le concept même de goût apparaît dans le cadre de l'esthétique baroque) ; elle se soucie des tours croyances spectateur ou lecteur - une croyance, essentiellement identique à la suggestion, la tromperie illusionniste (c'est-à-dire la représentation de l'inexistant par l'existant). Ici, en passant, a joué un rôle important Rhétorique» Aristote, traduit en latin pour la première fois en 1570. L'esthéticien polonais Belostotsky a écrit dans son livre sur le baroque : « La théorie des affects, exposée dans le deuxième livre de la Rhétorique d'Aristote, est devenue un élément de l'art, compris comme persuadant le spectateur et l'excitant. La rhétorique ne distingue pas la vérité de la plausibilité ; en tant que moyens de persuasion, ils semblent être d'égale valeur - d'où le subjectivisme illusoire et fantastique de l'art baroque, combiné à la "classification" de la technique de l'art, qui crée une impression subjective et trompeuse de plausibilité.

L'une des œuvres les plus intéressantes de cette époque est le traité de l'écrivain espagnol Baltasar Gracian y Morales (1601-1658) "Wit or the Art of a Quick Mind" (1642). D'après L.E. Pinsky, ce livre est "généralement considéré comme l'œuvre la plus importante et la plus programmatique pour l'esthétique de l'époque baroque (ou - en relation avec une énumération détaillée de diverses techniques d'artisanat - comme la rhétorique baroque). "L'Art de l'esprit sophistiqué" de Gracien est en ce sens comparable à "l'Art poétique" de Boileau, le programme artistique du classicisme du XVIIe siècle." .

Tout d'abord, considérez ce que Gracian entend par "esprit".

L'esprit est le bien inconditionnel de l'esprit et la source de son plaisir : « Ce qu'est la beauté pour les yeux, et l'euphonie pour les oreilles, l'esprit l'est pour l'esprit. C'est la plus haute faculté de l'esprit. "La dialectique traite de la connexion des concepts afin de construire correctement le raisonnement ou le syllogisme, et la rhétorique traite des décorations verbales afin de créer un tour éloquent." La dialectique et la rhétorique exigent une grande habileté, mais apparemment pas la plus raffinée: "l'esprit, l'esprit est également basé sur l'habileté, et le plus élevé parmi tous les autres".

L'esprit est la propriété d'un "esprit sophistiqué", dont l'action est rapide et précise, comme intuitive. Le sujet d'un esprit rationnel et logique ("lent") est la vérité, tandis que l'esprit, "contrairement à la raison, ne se contente pas de la vérité seule, mais aspire à la beauté". Curieusement, par beauté, Gracian entend quelque chose qui n'est pas tout à fait habituel pour toutes les esthétiques précédentes, à savoir une telle harmonie, qui s'exprime dans des connexions et des correspondances subtiles, parfois imperceptibles, entre divers objets.

Une pensée aiguë « est un acte de raison exprimant la correspondance qui existe entre les objets. Leur coordination même, ou leur habile corrélation, exprime leur subtile connexion objective. De plus, l'établissement de cette correspondance est d'autant plus précieux qu'elle paraît moins évidente tant dans la réalité que dans l'œuvre la plus « spirituelle ». « La conformité », écrit Gracian, « est un trait générique commun à toutes sortes d'esprit et embrassant toutes les ruses d'un esprit sophistiqué ; même là où il y a opposition et hétérogénéité, ce n'est aussi rien de plus qu'une savante corrélation d'objets.

Ainsi, les propriétés de la beauté dans la compréhension gracienne (et baroque générale) sont la correspondance, la cohérence subtile, la corrélation habile entre eux de tels objets, entre lesquels il n'y a pas de proximité logiquement régulière. C'est la beauté, possible seulement dans l'art, la vraie beauté, portée à la perfection par un « esprit sophistiqué » ; comme indiqué dans un autre ouvrage de Gracian, "même la beauté doit être aidée: même le beau apparaîtra comme la laideur, s'il n'est pas décoré d'art, qui supprime les défauts et polit la dignité".

Les correspondances dont parle Gracian sont dans certains cas inhérentes aux objets eux-mêmes (ils « contiennent déjà toutes sortes de manœuvres ingénieuses »), dans d'autres elles sont établies tout à fait arbitrairement. Au fond, peu importe qu'ils soient « objectifs » ou « subjectifs » : il est bien plus important que l'artiste ait réussi à nous convaincre qu'il ne s'agit pas de fiction. Le seul moyen d'une telle persuasion, parfois complètement illusionniste, est lui-même la beauté. L'artiste agit avec beauté, et la beauté peut avoir une force probante bien plus grande que n'importe quel syllogisme. Caractériser les preuves générées par wit, c'est-à-dire faisant appel d'abord à la beauté de la forme, Gracian signale leur caractère paradoxal : « l'évidence repose sur la conformité d'extrêmes contradictoires » ; « le contraste est accentué dans ces éléments de preuve » ; "la preuve est basée sur l'opposition de deux concepts", etc.

Le penseur espagnol tente de rationaliser à la fois ces preuves et la « technique » de l'esprit en général : il cite de nombreux exemples de la poésie espagnole contemporaine et analyse scrupuleusement les techniques par lesquelles se créent les effets de « correspondance » illogique. En même temps, il est convaincu que l'esprit ne peut être limité par la possession de techniques (compétence rhétorique), car une grande partie est déterminée par une intuition qui dépasse la raison, ou, selon les termes de Gracian, le «talent». L'esprit, croit-il, est une synthèse de la raison et du talent, et ce dernier domine dans cette synthèse. "... La nature", écrit Gracian, "a volé à l'esprit tout ce qui donnait du talent; Le paradoxe de Sénèque repose là-dessus : un grain de folie est inhérent à tout grand talent. Les impressions l'influencent, il vit aux frontières de l'affect, à la frontière du désir et près du dangereux voisinage des passions.

Ainsi, l'esprit ne s'exprime pas tant dans la connaissance que dans un jeu artistique qui détruit les frontières du familier. Le plus important ici est la capacité de combiner l'incompatibilité, la capacité de surprendre, d'étonner (Gracien dit : « le sel de l'esprit est dans l'insolite »), et, en plus, de présenter l'imaginaire comme réel (convaincre , créer des illusions). C'est de l'épicurisme intellectuel, un jeu esthétique passionnant.

Essayons de projeter ces dispositions du traité de Gracian sur le champ de l'art.

A) Nous verrons que dans le travail de l'artiste l'importance de ACCUEIL: il est directement lié à la clarté, à la distinction dans l'identification des "correspondances" et à toutes sortes de connexions subtiles entre les choses.

B) Si l'art est un jeu d'un esprit sophistiqué, plus associé au talent qu'à la raison, alors il ne peut y avoir de définition stricte (linéaire-géométrique, au sens de Wölfflin) de la forme du discours. Ici au premier plan, une association paradoxale, ainsi qu'une libre, "musicalement" organisée et assurément spectaculaire métaphore.

Pour illustrer, prenons quelques exemples de l'œuvre du grand poète baroque Luis de Gongora (1561-1627), un contemporain plus âgé de Gracien (ce dernier a largement généralisé et conceptualisé ses découvertes artistiques).

Une ligne de "Solitudes": "Les bœufs retournent à l'étable, piétinant le faible rayon du jour." C'est une combinaison idéale de l'incompatible : on ne peut « piétiner » qu'une surface dense, quelque chose de matériel en général, mais pas un rayon. L'image qui surgit ici s'avère pour ainsi dire incomplète, d'où son « énigme », si caractéristique des poèmes de Gongora et de la poésie baroque en général.

Quand Gongora parle d'un homme blessé : « des veines où il y a peu de sang / des yeux où il y a beaucoup de nuit », il combine aussi des choses traditionnellement incompatibles : une idée concrète et une image métaphorique. Dans certains cas, le poète utilise des métaphores étonnantes d'efficacité et d'inattendu. Par exemple, à propos de la caverne du Cyclope Polyphème (dans le même « Solitude »), il écrit : « ce fut un terrible bâillement de la terre » ; à propos de l'horloge: "le mauvais temps vêtu de chiffres." Parfois, il recourt à une technique que les poètes orientés "classiques" n'étaient pas favorables - à l'hyperbole. Par exemple, la beauté de la mariée est décrite par lui comme suit : "Elle pourrait faire la Norvège sensuelle avec l'aide de deux soleils / Et l'Éthiopie blanche avec l'aide de deux mains."

« L'originalité de Don Luis de Gongora », écrivait Federico Garcia Lorca dans un essai sur lui, « outre le plan purement grammatical, réside dans la méthode même de sa « chasse » aux images poétiques, la méthode dans laquelle il embrasse leur antagonisme dramatique. et, surmonter le galop de son cheval crée un mythe." Il semble que la méthode d'actualisation et de dépassement de "l'antagonisme dramatique" des images soit largement caractéristique de tout l'art baroque. Concluant la conversation sur Baltasar Gracian, notons que c'est lui qui a introduit le concept de "goût" au sens de "goût esthétique" (il l'a appelé "haut goût"). Avec ce concept, il a désigné l'une des capacités de la cognition humaine, spécifiquement axée sur la compréhension de la beauté et des œuvres d'art.

Le thème principal du traité de Tesauro est le même "esprit" que celui de Gracian, et, parlant d'esprit, le philosophe révèle le même subjectivisme dans la compréhension de l'essence de la beauté et le même désir d'élever le "talent" au-dessus de la raison. Il convient de noter que le guide méthodologique de Tesauro, selon ses propres termes, est la Rhétorique d'Aristote. Dans l'un des premiers paragraphes de son traité, il écrit : « Lecteur, prépare-toi à voir comment moi, à l'aide de l'indispensable dispositif d'espionnage aristotélicien, je vais entreprendre de regarder tout ce qui mérite le nom de Spirituel, afin que, en m'appuyant sur des recherches et des observations, je peux trouver les preuves les plus solides de mes pensées.

Comment Tesauro interprète-t-il l'esprit ? Son approche de l'examen de ce concept peut, en général, être qualifiée de rhétorique : « Les mots d'esprit étaient autrefois compris comme des NOMS exquis, c'est-à-dire des utilisations figuratives et métaphoriques des noms ; puis ils ont commencé à comprendre également des ÉNONCÉS raffinés, c'est-à-dire des phrases pleines d'esprit et élégantes, des descriptions ; maintenant, ils ont également ajouté des JUGEMENTS raffinés, ils sont la plus grande raison et doivent être appelés des CONCEPTS spirituels. Par conséquent, tous les discours, poèmes, inscriptions, épitaphes, louanges et épigrammes, arrangés à l'aide de tels CONCEPTS, nous les appellerons spirituels.

Les principales qualités de l'esprit sont "la perspicacité" et "l'ingéniosité". Insight voit les qualités les plus cachées et les plus petites de divers objets. Essence, Matière et Forme, Propriétés, Causes, Sens, Genre, Buts, Inclinations, Similitude et Divergence, Équivalence, Supériorité et Infériorité, Signes Distinctifs, Noms et toutes possibilités de double compréhension - en un mot, rien ne reste inexploré, inaperçu ; et après tout, dans chaque Sujet existant, il y a quelque chose de caché, de profondément caché. Quant à la débrouillardise, elle « compare instantanément ces Qualités constatées, les relie entre elles, ou corrèle chacune avec l'apparence visible de l'Objet, puis combine les observations ou les oppose ; sous-estimer ou exagérer si nécessaire ; l'un est placé en dépendance causale de l'autre ; l'un remarque l'autre ; enfin, avec la merveilleuse dextérité de Figlyar, une propriété est mise dans la Figure de l'Allégorie à la place de l'Autre.

Il est intéressant ici de comparer l'esprit avec la dextérité du « bouffon ». "Shuffling" consiste généralement à jouer un rôle délibérément frivole, souvent parodique, bouffon. En ce sens, il s'apparente à l'habileté d'un magicien. Apparemment, il est important pour Tesauro de mettre l'accent sur les fonctionnalités style externe ce jeu esthétique, dans lequel, en fait, l'esprit se manifeste: il nous semble que son sens peut être réduit à la pure «mise en scène» - à la dextérité, à la grâce, à l'inattendu d'un effet qui frappe l'imagination, etc. Cependant, ce n'est qu'une apparence. L'esprit, bien sûr, est un jeu, mais un jeu basé sur la connaissance des qualités "cachées" des choses et générant une nouvelle image du monde, une image dans laquelle tout ce qui est dissemblable et disparate apparaît uni, plus précisément, lié par des relations. de « correspondance » paradoxale. De plus, l'esprit est le plus élevé des arts, dans lequel une personne imite Dieu lui-même, qui "apparaît souvent à ses créatures comme un poète et un esprit merveilleux : parlant aux gens et aux anges, il répand des proverbes allégoriques et des paroles symboliques, les enveloppant autour de ses Concepts emplis des plus hauts Secrets".

Selon Tesauro, le principal moyen d'expression spirituel est l'allégorie. Il existe différents types de paraboles - comparaison, allégorie, hyperbole, métonymie. Mais le plus important est métaphore. Elle, comme le dit le philosophe, est "la mère de la Poésie, de l'Esprit, des Concepts, des Symboles et des Devises héroïques", "la plus INVENTAIRE et PERSPECTIVE, INCROYABLE et FRAGNANTE, ENCOURANTE et UTILE, RICHE et FRACTURANTE des créations de l'Esprit Humain" .

La doctrine de la métaphore, énoncée dans Spyglass d'Aristote, est essentiellement la théorie générale de l'art baroque, et ici Tesauro est vraiment le Boilo de l'ère baroque. Il écrit : une métaphore, "portant la pensée au loin et pour cela, avec sa puissance, sublimant des mots différents d'une catégorie à l'autre, et le concept lui-même se transforme, le faisant paraître différent, complètement différent : ainsi, des similitudes se révèlent dans des choses dissemblables". Et encore une chose : « Pour la véritable perfection de la Métaphore, il est plus idéal que les concepts très profonds qui y sont cachés soient aussi éloignés que possible, de sorte qu'un talent et une formation spéciaux soient nécessaires, et la capacité de rouler et de grimper. franchissez de nombreuses étapes avec un seul esprit. , et embrassez toutes les profondeurs de différentes significations avec un seul regard. L'artiste, jouant avec esprit des métaphores, « crée l'existant à partir de l'inexistant. Son lion se transforme en Homme, et l'Aigle en toute une Ville. Sharp Mind croise une femme avec un poisson et crée une sirène, symbole du tapotement. Il ajoute à la partie antérieure du corps de la Chèvre la queue du Serpent, et ainsi naît la Chimère, symbole hiéroglyphique de la Folie.

La métaphore se caractérise par l'originalité, la surprise et le « frappant » (la capacité d'étonner, d'étonner) : « l'esprit de l'auditeur, frappé par la nouveauté, est perplexe, s'émerveillant à la fois de la forme étonnante de l'énoncé spirituel et de la essence étonnante du sujet décrit ». De plus, la métaphore exprime de tels complexes de sens que le langage ordinaire, non métaphorique, est incapable d'exprimer : « Veux-tu traduire la langue dans une langue commune : Les vignes pleurent, ou le Soleil sème des rayons, tu es tourmenté et tu ne le feras pas. être capable de."

Je dois aussi dire que le monde lui-même pour Tesauro est une « métaphore divine ». Par conséquent, les métaphores de l'art, bien qu'elles paraissent illusoires, fantastiques, coïncident par leur nature avec la structure interne de l'univers.
4. Symbole médiéval et métaphore baroque
Lors d'une des dernières conférences, il a été dit que pour le Moyen Age, le monde est une collection de symboles. Tesauro affirme : le monde est une métaphore divine. Quelle est la différence entre ces deux postes ?

Tout d'abord, la différence est qu'avec une relation symbolique (précisément dans sa version médiévale), les significations des symboles sont interprétées plus ou moins strictement : par exemple, la couleur rouge, et elle peut être associée soit au sang du Christ , ou avec la miséricorde de la Mère de Dieu, ou bien avec n'importe quoi. Il est important qu'avec toute la variété des interprétations, la correspondance du signifié au signifiant soit ici établie clairement et même sans ambiguïté. Lorsque nous parlons de métaphore, nous ne pouvons plus admettre une telle absence d'ambiguïté, car une métaphore est, pour ainsi dire, un sens éternellement « non préparé », en devenir, fluide. Dans une métaphore, il y a toujours un euphémisme, une sous-détermination. Dans le même temps, elle s'efforce de "transparent" les frontières entre des objets opposés - à la fois phénoménalement opposés (subjectif et objectif, réel et immatériel, dense et raréfié, solide et fluide, distant et proche, local et cosmique, etc.), et nouménal (matériel et idéal, « céleste » et « terrestre », naturel et culturel, humain et surhumain). Par conséquent, la métaphore permet une combinaison mystérieuse et arbitraire (non contrôlée par l'esprit) de l'incompatible, la convergence du dissemblable, le "flux" constant des contraires les uns dans les autres (cf. Roman Jacobson puis Paul Ricœur : métaphore - " référence fractionnée").

De plus, les relations symboliques sont perçues comme complètement objectives, indépendantes de notre "disposition" par rapport à elles, de notre conscience dans son ensemble. Et, en principe, ici, l'arbitraire des interprétations n'est pas autorisé. La métaphore, en revanche, est interprétée subjectivement, et ses diverses explications, décodages, d'une manière ou d'une autre dépendent de la manière dont on la regarde, de ce que l'on « saisit » en elle. La métaphore est une telle relation sémantique dans laquelle il n'y a ni objectif ni subjectif, mais il y a plutôt une unité du subjectif-objectif, c'est-à-dire inséparabilité, unité du monde et de l'homme. Dans la culture baroque, tout est exactement comme ça : la conscience et le monde sont initialement, pour ainsi dire, « inclus » l'un dans l'autre, selon le principe de la monade de Leibniz, et forment un tout (quoique assez fantaisiste organisé, changeant, mystérieux , toujours non-dit). Ainsi, Gilles Deleuze écrivait, comparant l'image de l'art baroque à la matière plissée molle : "... Chaque âme ou chaque sujet est complètement clos, sans fenêtres et sans portes, et dans son socle très sombre contient le monde entier, n'éclairant qu'un petite partie de ce monde (cf. C'est avec les effets de la peinture baroque en clair-obscur, par exemple, du Caravage ou de Dosso Dossi. N.B.), chacun a son propre Monde, donc il est plié ou replié dans chaque âme, mais à chaque fois d'une manière différente, puisqu'il n'y a qu'un tout petit côté de ce pli, qui est illuminé.

Établissement d'enseignement public

plus haut enseignement professionnel

Moscou Université d'État

nommé d'après M. V. Lomonossov

Faculté d'arts

Département d'art musical

Cours sur le sujet :

"Esthétique du baroque"

Moscou 2016

Table des matières

A l'époque baroque, un héros tragique entre en scène, il défie tous les éléments - terrestres et célestes, il se tourne vers le ciel : "Dieu, si tu existes, alors comment peux-tu supporter tout cela ?" L'art musical s'est efforcé de transmettre toutes les passions humaines dans leurs contrastes et leurs diversités, et a donc choisi la monophonie mélodique, et non la polyphonie chorale. La musique devient tragique, elle semble repousser la clarté sereine de la Renaissance. De nombreux compositeurs commencent à se tourner vers le genre aria pour déverser la tristesse d'un cœur souffrant. Mais, malgré toute l'angoisse mentale, la musique est saturée de Faith, il n'y a pas de désespoir en elle. C'est à lui, au Seigneur, que s'adressent les questions tragiques, c'est lui, le Tout-Puissant, qui doit dissiper les doutes, le soutenir dans les épreuves de la vie. Tel est le contenu et l'ambiance du "Psaume de David" aux versets bibliques du compositeurXVIIsiècle de Heinrich Schütz. Et un miracle se produit : une personne qui était déçue par l'imperfection du monde, mais qui était forte d'esprit, trouve enfin la paix de l'esprit et la joie. Mais maintenant, il doit les chercher dans le doute, la réflexion et la lutte acharnée - la paix de l'esprit et la joie ne sont plus envoyées par Dieu.

Le monde à l'époque baroque était présenté comme clairement divisé verticalement en trois sphères: ciel-terre-enfer, et une personne s'est avérée être un vagabond, un pèlerin. S. A. Gudimova a écrit : « L'image du monde à l'époque baroque est apparue comme un cosmos chrétien ; le monde-macrocosme était un théâtre sur la scène duquel se produisait un homme-microcosme, s'installant dans ce monde sans limites, répétant sa structure ».

Les idées d'Harmonie naturelle, qui inspiraient la Renaissance, sont passées au second plan avec l'avènement du New Age. La connexion des temps était rompue et la devise de l'époque baroque était Contradiction, qui se manifestait en tout. La plus significative était la contradiction entre le rationnel et l'émotionnel, la raison et les sentiments. La passion et le froid calcul semblaient se disputer et souhaitaient occuper une position dominante dans la culture de l'époque. Cette "dispute" a encore souligné la nature bizarre de cette époque, qui ne connaissait aucune limite en quoi que ce soit. La passion baroque était sans limites : la joie se transformait invariablement en jubilation et la tristesse en chagrin. Thomas Carew a très justement traduit cette attirance pour l'hyperbole dans son poème "Intolerance to the Ordinary":

Donne-moi de l'amour, donne-moi du mépris,

Laissez-moi profiter de la plénitude.

J'ai besoin d'une vie au bord du gouffre -

Dans l'amour paix insoutenable!

Feu et glace - l'un des deux !

L'excès excite l'esprit.

Laisse l'amour descendre du ciel

Comme une pluie dorée à travers le granit

Zeus a pénétré Danaé !

Laisse la haine frapper comme le tonnerre

Détruire tout ce que j'ai reçu.

L'Eden et l'enfer sont l'un des deux.

Oh, laisse-moi boire en plénitude -

L'âme est une paix insoutenable.

Le besoin d'exagération s'est manifesté à l'époque baroque à différents niveaux et dans différents types d'art : la plénitude émotionnelle excessive, le désir de se libérer du cadre de l'habituel sont caractéristiques de la musique, de la peinture et de l'architecture. Les formes baroques recherchent l'asymétrie, les détails excessifs, l'abondance.

Comme l'époque était remplie de contradictions, le rationalisme était perceptible avec les émotions et les sentiments à l'époque baroque. Elle s'est manifestée avec une force particulière dans l'art de la musique, lorsque divers aspects et aspects de l'ensemble musical semblaient correspondre à des directions opposées : le "corps sonore" de la musique - mélodies et combinaisons de sons - gravite vers l'excitation, la manifestation des émotions , tandis que l'intensité des passions est contrebalancée par une organisation structurelle claire de l'ensemble et une discipline rythmique. La contradiction entre l'émotionnel et le rationnel dans la culture baroque a acquis une nouvelle facette, complétée par les contradictions de l'individuel et de la rhétorique, qui se reflètent dans le poème "Amour imaginaire" de Girolamo Fontanello :

Je parle avec un mot et un stylo

A propos de la foudre des yeux, ne connaissant pas le tonnerre.

J'ai versé des larmes, mais ce n'est qu'une réception,

Et dans la gorge d'une grosseur - et pas de coma .

L'individualisation dans le discours artistique du baroque est née du fait que les techniques d'écriture, les formes et les intrigues bien connues étaient utilisées à chaque fois dans un contexte différent, de sorte que l'auteur pouvait les interpréter différemment.

L'époque baroque a créé sa propre mythologie allégorique. Les figures mythologiques n'étaient pas seulement l'Espoir, la Miséricorde, la Foi, la Consolation, l'Église, l'Amour, mais aussi des îles, des pays du monde, des villes. Ces figures allégoriques agissaient comme porteuses de concepts abstraits et personnifiaient les phénomènes et les forces de la nature. Les divinités anciennes sont entrées dans un système complexe de symboles et d'allégories, envahi par de nouveaux attributs. C'est pourquoi le genre de l'emblème est devenu l'un des genres dominants de l'époque baroque.

Avec l'ouverture de l'entrepôt homophonique, le majeur et le mineur s'imposent également comme les protagonistes, puisque la tristesse et la joie n'exigent plus que maintenant l'expression musicale. À l'époque baroque, une autre découverte a été faite - la gravité modale, essayant de transmettre à l'aide de connexions et de tons complexes le processus imperceptible d'émergence et de résolution d'expériences émotionnelles. La découverte du majeur et du mineur comme deux principes opposés en musique et la découverte de la gravité modale ont permis à la musique de passer de l'immersion dans l'harmonie naturelle à la représentation des passions universelles, ou, comme on les appelait alors, des affects.

Avec l'avènement de la nouvelle ère, le côté rythmique a également subi des changements. Du début du Moyen Âge à la fin de la Renaissance, le temps semblait être quelque chose de figé, de statique, d'éternel. À l'époque baroque, avec l'avènement du thème de l'homme, le concept de temps a également changé - "le temps éternel et infini du Seigneur Dieu s'est transformé en temps fini de la vie humaine". L'idée de l'espace qui bouge et du temps qui avance devient fondamentale. Chaque minute qui passait commençait à être valorisée, des moments qui rapprochaient inévitablement la fin de l'existence terrestre. Cela se reflétait également dans la musique : pas une note longue, mais une note courte devenait l'unité conventionnelle du rythme musical. Le discours musical à cette époque a commencé à être divisé en mesures égales, s'est accentué.

En lien avec le désir d'exprimer toute la richesse et la diversité de l'âme, de nouveaux genres et formes musicales sont apparus. Le début de ce processus est marqué par la naissance de l'opéra au début du XVIIe siècle. En outre, des genres à vent "de type opéra" sont apparus - la cantate et l'oratorio. La musique instrumentale a acquis une signification indépendante. De nouveaux genres et formes sont nés : prélude et fugue, concerto instrumental, suites de danse. Une œuvre dans laquelle les éléments se reflétaient mutuellement était considérée comme intégrale et parfaite à l'époque baroque. Ce critère d'évaluation des œuvres d'art était associé à l'idée de l'époque baroque sur l'interdépendance des éléments du monde, sur le lien inséparable de tout ce qui existe.

Conclusion

Ainsi, le baroque est apparu dansXVIIsiècle, en Italie, sur fond de crise des idées de la Renaissance. La première tâche du nouveau style était de créer l'illusion de la richesse et du pouvoir, la montée de l'Église catholique et de la noblesse italienne. Cependant, il est faux de considérer l'époque baroque uniquement comme une période de transition de la Renaissance aux Lumières. Le baroque est une phase indépendante du développement de l'art, et les raisons de son apparition ne sont pas seulement les problèmes économiques et politiques de l'Italie : le nouveau style reflète l'humeur de toute la société européenne.

L'essence de l'esthétique baroque est queà cette époque, l'idée du monde, établie dans l'Antiquité, en tant qu'unité rationnelle et constante, ainsi que l'idée de la Renaissance de l'homme en tant qu'être le plus rationnel, ont changé. Dans l'esthétique baroque, ce qui était laid était parfois considéré comme beau, par exemple à la Renaissance. Le baroque commence à rejeter les autorités et les traditions non pas en elles-mêmes, mais en tant que préjugés, en tant que substance obsolète. Pour le baroque, les nouvelles formes sont importantes pour la connaissance du beau, du monde environnant, de l'esprit.

L'essence du baroque reflète le concept de crise du monde et de l'individu, qui est orienté vers l'humanisme, mais socialement pessimiste : il contient des doutes sur les capacités d'une personne, un sentiment de la futilité de l'être et le destin du bien à vaincre dans la lutte contre le mal. Les principales caractéristiques du baroque sont une émotivité accrue, un dynamisme évident, une émotivité, un contraste d'images; une grande importance est attachée aux effets et aux éléments irrationnels. Ces caractéristiques se manifestent le plus clairement dans l'architecture et la sculpture, la musique, la littérature et l'art dans divers pays européens.

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