trabajo de curso

"Estética barroca"

INTRODUCCIÓN

1.1 Causas del barroco

1.2 Origen del término "Barroco"

Capitulo dos. La esencia y ejemplos de la encarnación de la estética barroca.

2.1. Esencia, principios y estética del Barroco

2.2 Ejemplos de plasmación de la estética barroca

CONCLUSIÓN

Lista de literatura usada

INTRODUCCIÓN

Se sabe que en la historia de la cultura, cada época es un entrecruzamiento de varios procesos que reflejan su esencia y realidad de diferentes maneras. Un ejemplo sorprendente de esto es la era barroca.

El barroco es una cultura europea de los siglos XVII-XVIII, cuyas principales características son el contraste, el deseo de grandeza y lujo, la combinación de la realidad con la alusión, el dinamismo de las imágenes y la tensión. El barroco apareció en Italia (Florencia, Venecia, Roma) y desde allí se extendió por toda Europa. La época barroca se considera como el comienzo de la plantación de los cimientos de la "civilización occidental" en el mundo; predeterminó en gran medida la dinámica de formación de las culturas de otras épocas. El estilo barroco, a medida que se difunde, se vuelve popular tanto en Occidente como en Rusia.

Con cierto grado de probabilidad, se puede argumentar que el barroco todavía afecta directamente a la cultura de la modernidad, a través del arte de sus destacados representantes, ahora almacenados en museos o expuestos al público, como ejemplos de la arquitectura de las ciudades europeas. Esto determina la pertinencia de estudiar la época barroca.

Formulamos las metas y objetivos principales de este curso.

El objetivo principal para nosotros será estudiar la época barroca en su conjunto: su esencia, historia, significado.

De acuerdo con el objetivo, destacamos las siguientes tareas del trabajo del curso:

Identificar las razones del surgimiento del barroco como estilo cultural; familiarizarse con la historia del término barroco;

Analizar la esencia y los principios del barroco, estudiar los conceptos básicos de la estética barroca, dar ejemplos de la encarnación del barroco en el arte de Europa en los siglos XVII y XVIII.

Estas metas y objetivos forman la estructura del trabajo del curso, que consta de una introducción, la parte principal, que consta de dos capítulos con dos párrafos cada uno, una conclusión, una lista de referencias y aplicaciones.

Para el estudio de la época barroca se utilizó el libro conceptual de H. Welfin “Renacimiento y Barroco”, que nos permitió comprender la esencia de esta época cultural, así como publicaciones tan fundamentales como la Historia General en 24 volúmenes, edición de 1997, la Historia del Arte de Países Extranjeros, año 1980, así como la Historia Mundial de la Arquitectura en 1978. Además, utilizamos la literatura especial de los siguientes autores Yu. Boreev, A. Vasiliev, M. Vinogradov, F. Dass, V Kolomiets, T. Livanova y V. Lipatov, entre otros.

Capítulo I. Barroco: la historia de la aparición, el significado del término

1.1 Causas del barroco

Cronológicamente, el barroco aparece en el siglo XVII. Tal cronología implica que este estilo reemplazó al Renacimiento. Por eso, suele ser costumbre designar la época en la que se disolvió el Renacimiento o, como suele decirse, en la que degeneró el Renacimiento, suele ser costumbre designar la palabra “Barroco” con la palabra “Barroco”.

De hecho, el barroco se originó en Italia, es decir, el país en el que el Renacimiento se manifestó con más fuerza. Por eso, en el marco del estudio de las causas de la aparición del Barroco, parece necesario hacer una breve descripción del Renacimiento.

Entonces, el Renacimiento es una era en la historia de la cultura europea. El marco cronológico de su apogeo son los siglos XIV - XVI. Un rasgo distintivo del Renacimiento, o Renacimiento, es la orientación secular de su cultura y su interés por el hombre y sus actividades, es decir, lo que se denomina el término antropocentrismo. Durante este período, se muestra el interés por la cultura antigua, se produce su "renacimiento", a partir de ahí apareció este término. En Italia, como en el país donde apareció el Renacimiento, la pintura, la música, la arquitectura y la literatura alcanzan nuevas alturas. El Renacimiento alcanzó su apogeo a fines del siglo XV, y en el siglo XVI comenzó la crisis de sus ideas. Los historiadores culturales señalan que fue durante este período cuando aparecieron los primeros rudimentos de las nuevas ideas del manierismo y el barroco.

Por lo tanto, el barroco apareció en el contexto de la crisis de las ideas del Renacimiento y apareció en el mismo lugar donde el Renacimiento alcanzó su mayor prosperidad: en Italia.

Analicemos las razones de este fenómeno aparentemente paradójico.

Como se señaló anteriormente, el barroco se caracteriza por el contraste, la tensión, el dinamismo de las imágenes, el deseo de grandeza y esplendor, de combinar realidad e ilusión, de fusionarse y, al mismo tiempo, una tendencia a la autonomía de los géneros individuales.

Los fundamentos ideológicos del estilo se formaron como resultado de un choque, como lo fueron la Reforma y las enseñanzas de Copérnico en el siglo XVI. La noción del mundo, establecida en la antigüedad, como unidad racional y constante, así como la idea renacentista del hombre como ser racionalísimo, ha cambiado. El hombre ha dejado de sentirse como un "ser razonable" habiendo cagado, él, en palabras de Pascal, es consciente de sí mismo "algo entre el todo y la nada"; "a los que captan sólo la apariencia de los fenómenos, pero no son capaces de comprender ni su principio ni su final"

Italia en el siglo XVII es un país con el que se asocia el estilo mismo del Renacimiento, como dirían ahora: un creador de tendencias. Sin embargo, al mismo tiempo, este país está perdiendo drásticamente poder económico y político y comienza a jugar un papel secundario en la política europea. Además, los usurpadores llegan a su territorio: soldados franceses y españoles. El país se convierte en una semicolonia dividida.

Sin embargo, Italia, y especialmente Roma, seguía siendo el centro cultural de Europa. Poco a poco, debido a estos, se podría decir, momentos socioeconómicos, comienza a nacer un nuevo estilo, cuya primera tarea fue crear la ilusión de riqueza y poder, la exaltación de la Iglesia Católica y la nobleza italiana, que , aparte de las palancas culturales de influencia, no tenía nada. Gradualmente, el Barroco comienza a rechazar la autoridad y la tradición como prejuicio. El principal leitmotiv del barroco de esa época fue el rechazo del alma y el tránsito a la ilustración y la razón.

Sin embargo, no es correcto considerar la época barroca únicamente como una época de transición del Renacimiento a la Ilustración. El barroco es una fase independiente en el desarrollo del arte y las razones de su aparición no son solo los problemas económicos y políticos de Italia. Además, el barroco, aunque apareció en Italia, se extendió muy rápidamente por toda Europa.

Partiendo de esta premisa, parece necesario hacer una descripción general de la Europa occidental en el siglo XVII.

Europa occidental en su conjunto, durante este período, entra en una nueva era de relaciones socioeconómicas y políticas. Este período se caracteriza principalmente por el choque de cosmovisiones de clase, la lucha entre el feudalismo tradicional y el capitalismo progresista. En varios estados (por ejemplo, en Francia y Austria) hay una centralización del poder estatal, una transición al absolutismo. Sin embargo, este proceso en sí mismo es claramente desigual. Estos son solo algunos ejemplos de países europeos:

Ya se está produciendo una revolución burguesa en Holanda y se han desarrollado las relaciones burguesas;

En Francia, ya mencionada, florece el poder absoluto del rey;

En Inglaterra se está produciendo el derrocamiento del rey y la revolución burguesa;

Italia se convierte en una semicolonia dividida;

España es una periferia atrasada;

Alemania es la suma de los pequeños principados, además, en ella se desarrolla la Guerra de los Treinta Años.

En toda Europa, las capas sociales dirigentes se están convirtiendo en la burguesía, el campesinado y la aristocracia. Sin embargo, con todo el desarrollo desigual de los países europeos en su cultura, cada vez se da más influencia a nuevos puntos fundamentales, que se convirtieron en la base del barroco.

La base ideológica para la difusión del barroco en Europa fue el debilitamiento general de la cultura espiritual, la división de la iglesia, como resultado, la caída de su autoridad, la lucha de enseñanzas que reflejaban los intereses de varias clases. Dado que el catolicismo seguía siendo la base ideológica de las tendencias feudales, el protestantismo reflejaba los intereses de la burguesía. Al mismo tiempo, crece el papel de las instituciones estatales, se intensifica la lucha entre los principios seculares y religiosos. Las ciencias naturales se están desarrollando rápidamente: óptica, física, termodinámica y geografía.

Así, destacamos las principales razones de la difusión del barroco.

Cronológicamente, el barroco apareció en el siglo XVII en Italia, en el contexto de la crisis de las ideas del Renacimiento. La propia Italia durante este período pierde su importancia económica y política y se convierte en una semicolonia desunida, sin dejar de ser el centro cultural de Europa. Poco a poco, debido a estas razones socioeconómicas, comienza a nacer un nuevo estilo, cuya primera tarea fue crear la ilusión de riqueza y poder, la exaltación de la Iglesia Católica y la nobleza italiana, que, además de palancas culturales. de influencia, no tenía nada;

Al mismo tiempo, no es correcto considerar la época barroca únicamente como una época de transición del Renacimiento a la Ilustración. El barroco es una fase independiente en el desarrollo del arte y las razones de su aparición no son solo los problemas económicos y políticos de Italia. Además, el barroco, aunque apareció en Italia, se extendió muy rápidamente por toda Europa. Sobre esta base, se puede argumentar que el barroco reflejaba el estado de ánimo de toda la sociedad europea, estaba en demanda y, por lo tanto, no podía desarrollarse sin requisitos previos, y estos requisitos previos eran muy diferentes en diferentes países europeos;

La base ideológica para la difusión del barroco en Europa fue el debilitamiento general de la cultura espiritual, la división de la iglesia, como resultado, la caída de su autoridad, la lucha de enseñanzas que reflejaban los intereses de varias clases. Al mismo tiempo, crece el papel de las instituciones estatales, se intensifica la lucha entre los principios seculares y religiosos. Las ciencias naturales se están desarrollando rápidamente: óptica, física, termodinámica y geografía. Esto significa que aparecen los requisitos previos para el leitmotiv principal del Barroco: el rechazo del alma, el antropocentrismo y el Renacimiento en su conjunto, a favor de la ilustración y la razón.

BARROCO(Baroso italiano extraño, artístico, extraño): un estilo artístico en el arte europeo de finales del siglo XVI a mediados del siglo XVIII. (en Alemania, Rusia hasta finales del siglo XIX).

El barroco se origina en Italia en el siglo XVI. como reflejo de la crisis de ideas y principios artísticos del Renacimiento, profundas contradicciones de carácter político, social y religioso. La idea de la armonía del mundo y la idea de las posibilidades ilimitadas del hombre se están desmoronando. El arte principal del barroco es la arquitectura; arte aplicado, pintura, escultura.

A arquitectura barroca el principio decorativo prevalece sobre el constructivo. La tarea artística es asombrar, deslumbrar con esplendor. Un estricto sentido de la proporción en las obras de los artistas del Alto Renacimiento es reemplazado por una fantástica riqueza y variedad de decoración, a veces en detrimento de la belleza. Los contornos curvilíneos, la asimetría, la línea ascendente dominante, la complejidad de la composición, la división poco clara del espacio son las características de las estructuras arquitectónicas barrocas. Se utilizan pilastras ricamente ornamentadas, las columnas se convierten en un elemento puramente decorativo, dejan de llevar una carga constructiva. Cariátides, atlantes, ornamentación sobrecargada de estuco, hornacinas y pórticos, galerías con estatuas, el juego de luces y sombras están pensados ​​para influir en las emociones del espectador.

Tales son los palacios de Versalles, Sanssouci, el Palacio de Invierno. El interior corresponde a los nuevos gustos: las esquinas del techo y las paredes están alisadas, los plafones y las paredes están decorados con pinturas de colores vivos, estuco, rosetones dorados, las habitaciones están ricamente decoradas con tapices, estatuas, espejos. Pisos con incrustaciones, candelabros de cristal, muebles elegantes sobre patas delgadas completan la decoración del palacio. Los motivos de catástrofes devastadoras (Tierra Global, Infierno), el martirio, la lucha de todo lo que provoca la tensión de las fuerzas espirituales y físicas predominan en las pinturas al fresco. Estas son, por regla general, composiciones de múltiples figuras, donde todo está en movimiento, en ángulos inusuales, con muchos detalles puramente decorativos. El comienzo afirmativo de la vida en ellos coexiste con el ascetismo, deliberadamente rudo con exquisito (Rubens, Van Dyck, esculturas de Bernini). Los retratos son ceremoniales y teatrales con todos los accesorios del poder.

A literatura barroca- se da más importancia a la forma que al contenido, los medios figurativos y expresivos adquieren un valor autónomo. Son muy utilizadas construcciones sintácticas complicadas, pretenciosas, de elevada sílaba con abundancia de imágenes mitológicas grotescas. Los poemas están impresos en forma de cruz, rombo, círculo. Las tragedias abundan con escenas de terror y sangre. Las comedias brillan con humor y hallazgos verbales inesperados (P. Calderon, A. Gryphius, Tirso de Molino, S. Polotsky).

barroco en la musica presentado por G. Gabrieli, M. Chesti (Italia). Se llaman Waha y Handel, pero su genialidad pasó por encima del barroco. Grandeza, complejidad de composición, riqueza de entonación, dramatismo, profunda reflexión sobre el mundo de las pasiones humanas son las principales características de su obra (tales son las majestuosas "Pasión según Juan" y "Pasión según Mateo" de J. S. Bach, conciertos y oratorios de G. F. Handel). Algunas características del barroco son utilizadas por las tendencias modernistas modernas en el arte.

¿Sabías que la era que nos dio a Bach y Handel fue llamada "fantástica"? Y fueron llamados lejos de estar en un contexto positivo. “Una perla de forma irregular (extraña)” es uno de los significados del término “Barroco”. Aun así, la nueva cultura estaba equivocada desde el punto de vista de los ideales del Renacimiento: la armonía, la sencillez y la claridad fueron reemplazadas por la desarmonía, las imágenes y las formas complejas.

Estética del barroco

La cultura musical del Barroco combinó lo bello y lo feo, la tragedia y la comedia. "En la tendencia" estaban las "bellezas equivocadas" que reemplazaron la naturalidad del Renacimiento. El mundo ya no parecía integral, sino que se percibía como un mundo de contrastes y contradicciones, como un mundo lleno de tragedia y drama. Sin embargo, hay una explicación histórica para esto.

La era barroca abarca unos 150 años: desde 1600 hasta 1750. Esta es la época de los grandes descubrimientos geográficos (recordemos el descubrimiento de América por Colón y la circunnavegación de Magallanes), la época de los brillantes descubrimientos científicos de Galileo, Copérnico y Newton, la época de las terribles guerras en Europa. La armonía del mundo se derrumbaba ante nuestros ojos, al igual que la imagen misma del Universo estaba cambiando, los conceptos de tiempo y espacio estaban cambiando.

géneros barrocos

La nueva moda de la pretensión dio a luz a nuevos y. Ella fue capaz de transmitir el complejo mundo de las experiencias humanas. ópera, principalmente a través de brillantes arias emocionales. Jacopo Peri (ópera Eurídice) es considerado el padre de la primera ópera, pero fue precisamente como género que la ópera tomó forma en las obras de Claudio Monteverdi (Orfeo). Entre los nombres más ruidosos del género de la ópera barroca también se conocen: A. Scarlatti (la ópera Nero Who Became Caesar), G.F. Telemann ("Mario"), G. Purcell ("Dido y Eneas"), J.-B. Lully ("Armida"), G. F. Handel ("Julius Caesar"), G. B. Pergolesi ("The Maid -Madam"), A. Vivaldi ("Farnak").

Casi como una ópera, solo que sin escenografía ni vestuario, con una trama religiosa, oratorio ocupó un lugar importante en la jerarquía de los géneros barrocos. Un género espiritual tan elevado como el oratorio también transmitía la profundidad de las emociones humanas. Los oratorios barrocos más famosos fueron escritos por G.F. Haendel ("Mesías").

De los géneros de la música sacra, la música espiritual también fue popular. cantatas y pasiones(las pasiones son "pasiones"; tal vez no por cierto, pero por si acaso, recordemos un término musical de una sola raíz: appassionato, que significa "apasionadamente" en ruso). Aquí la palma pertenece a J. S. Bach (Matthew Passion).

Otro género importante de la época - concierto. Agudo juego de contrastes, rivalidad entre el solista y la orquesta ( concierto en solitario), o diferentes grupos de la orquesta entre sí (género concierto bruto) - bien se hizo eco de la estética del barroco. Maestro A. Vivaldi ("Las cuatro estaciones"), J.S. Bach "Conciertos de Brandenburgo"), G. F. Handel y A. Corelli (Concierto grosso).

El principio contrastante de la alternancia de diversas partes se desarrolló no solo en el género del concierto. Él formó la base sonatas(D. Scarlatti), suites y partitas (JS Bach). Cabe señalar que este principio también existía antes, pero solo en la época barroca dejó de ser aleatorio y adquirió una forma ordenada.

Uno de los principales contrastes de la cultura musical barroca es el caos y el orden como símbolos del tiempo. El accidente de la vida y la muerte, la incontrolabilidad del destino y, al mismo tiempo, el triunfo de la "proporción", el orden en todo. Esta antinomia fue transmitida más claramente por el género musical. preludios (tocata, fantasías ) y fugas. ES. Bach creó obras maestras sin igual en este género (preludios y fugas del Clave bien temperado, Tocata y Fuga en re menor).

Como se desprende de nuestra revisión, el contraste barroco se manifestó incluso en la escala de los géneros. Junto con composiciones voluminosas, también se crearon obras lacónicas.

lenguaje musical del barroco

La era barroca contribuyó al desarrollo de un nuevo estilo de escritura. Entrar en el campo de la música homofonía con su división en voz principal y voz acompañante.

En particular, la popularidad de la homofonía también se debe al hecho de que la iglesia hizo exigencias especiales en la escritura de composiciones espirituales: todas las palabras deben ser legibles. Así la voz pasó a primer plano, adquiriendo, además, numerosos adornos musicales. La tendencia barroca a la pretensión también se manifestó aquí.

La música instrumental también fue rica en decoraciones. Como resultado, se generalizó improvisación : el bajo ostinato (es decir, repetido, sin cambios), descubierto por la época barroca, dio lugar a la imaginación en una serie armónica dada. En la música vocal, sin embargo, largas cadencias y cadenas de notas de adorno y trinos a menudo adornaban las arias de ópera.

Al mismo tiempo floreció polifonía, pero en una dirección completamente diferente. La polifonía barroca es el desarrollo del contrapunto.

Un paso importante en el desarrollo del lenguaje musical fue la adopción del sistema de temperamento y la formación. Se definieron claramente dos principales: mayor y menor.

Teoría de los afectos

Dado que la música de la época barroca servía para expresar las pasiones humanas, se revisaron los objetivos de la composición. Ahora bien, cada composición estaba asociada a un afecto, es decir, a un cierto estado de ánimo. La teoría de los afectos no es nueva, se remonta a la antigüedad. Pero en la era barroca, se generalizó.

Ira, tristeza, júbilo, amor, humildad: estos afectos estaban asociados con el lenguaje musical de las composiciones. Así, el afecto perfecto de alegría y diversión se expresó mediante el uso de terceras, cuartas y quintas, tempo fluido y tamaño tripartito en la escritura. Por el contrario, el afecto de tristeza se logró mediante la inclusión de disonancias, cromatismos y tiempos lentos.

Incluso hubo una caracterización afectiva de las tonalidades, en las que el áspero mi bemol mayor emparejado con el gruñón mi mayor se oponía al lastimero la menor y el suave sol mayor.

En lugar de concluir...

La cultura musical del Barroco tuvo un gran impacto en el desarrollo de la era posterior del clasicismo. Y no solo de esta época. Incluso ahora, se escuchan ecos del barroco en los géneros de ópera y concierto, que todavía son populares hoy en día. Las citas de la música de Bach aparecen en solos de rock pesado, las canciones pop se construyen principalmente sobre la "secuencia dorada" barroca y el jazz, hasta cierto punto, adoptó el arte de la improvisación.

Y ya nadie considera el barroco como un estilo "extraño", sino que admira sus perlas verdaderamente preciosas. Aunque una forma extraña.

1. Diferencias entre las actitudes estéticas generales del Barroco y el Renacimiento

El barroco es uno de los llamados "grandes estilos" en la cultura de Europa, que floreció en el siglo XVII. El propio término "barroco" comenzó a utilizarse en el siglo XIX, en estudios retrospectivos del arte de esta época. Existen diferentes explicaciones sobre el origen del término. “Se pensaba que el nombre derivaba del portugués perola baroca, que significa perla preciosa. Forma irregular, brillante e iridiscente con diferentes colores del arco iris. Según la segunda versión, barocco es un intrincado silogismo escolástico. Finalmente, la tercera opción - barocco significa falsedad, engaño. Casarse también de A. V. Mikhailova: “La misma palabra “barroco” está conectada y fusionada con “extrañeza” como un marcado fenómeno histórico y cultural; según la investigación, “barroco”, una palabra con una forma interna cerrada para la mayoría de quienes la usan, surge de una especie de simbiosis de dos palabras que son distantes en su semántica: “barroco” también se conoce desde el siglo XIII. una figura de un silogismo que conduce a conclusiones falsas (de entre los símbolos de silogismos en la lógica escolástica), y una perla de forma irregular (del portugués).

La estética del Barroco difiere en muchos aspectos de la estética del Renacimiento. En cierto sentido, también puede llamarse la antítesis de la estética renacentista.

1) Los pensadores del Renacimiento consideraban la belleza con mayor frecuencia. objetivo dimensión de la realidad (los neoplatónicos vieron su origen en Dios, el Mundo Uno, autores como Alberti y Leonardo lo atribuyeron a la naturaleza). En la estética barroca dominaba la idea opuesta: lo bello aquí, en general, era considerado un producto de subjetivo actitud hacia el mundo, su origen se vio en la imaginación y el "ingenio" del artista.

2) El Renacimiento continuó la línea de la estética "matemática", iniciada en la antigüedad (tomemos como ejemplo a Leonardo con su convicción de que el arte es la más alta de las ciencias y la más perfecta de las filosofías). El Barroco era reacio a cualquier "matematización" y racionalización de la estética; por el contrario, sus teóricos traducen muy a menudo lo estético al reino de lo irracional.

3) Los pensadores del Renacimiento vieron el objetivo del arte en la elevación de la mente y el alma del conocimiento parcial relativo al conocimiento absoluto, del ser condicional al ser incondicional. En cuanto a los teóricos del Barroco, para ellos el arte es más bien una forma de escapismo, un escape de una realidad aburrida y descolorida a un mundo de "sueños", ilusiones, engaños magníficos, afectos lujosos. El realismo renacentista está perdiendo su posición aquí, siendo reemplazado por algo así como el ilusionismo.

En cuanto a la comparación del Renacimiento y el Barroco, es apropiado referirse a la obra de Heinrich Wölfflin "El Renacimiento y el Barroco". Aquí, se comparan dos estilos artísticos de tal manera que se destaca el contraste de las propias culturas y las visiones del mundo que las subyacen. Por ejemplo: “El Renacimiento es el arte de una existencia bella y pacífica. Nos da esa belleza liberadora, que se percibe como un cierto estado general de bienestar, como un aumento uniforme de nuestro pulso vital. En sus creaciones perfectas no encontramos nada oprimido o constreñido, nada inquieto o agitado.” Por el contrario, “el barroco no da un ser feliz, su tema es un ser emergente, transitorio, que no da paz, insatisfecho y que no conoce la paz. El estado de ánimo no se resuelve, sino que pasa a un estado de tensión apasionada.

De hecho, el mundo barroco es un mundo de estados afectados, "limitantes". Aquí, los límites entre la realidad y el sueño, la conciencia y las cosas materiales (en general, subjetivas y objetivas), "este mundo" y "otro mundo" son casi imperceptibles. “El hombre religioso del Barroco está apegado al mundo, porque se siente llevado con el mundo a la cascada”. Este sentimiento es profundo escatológicamente, sin embargo, según Walter Benjamin, “la escatología barroca no existe”, porque mucho de lo que pertenece a lo trascendente, ultramundano, se traslada a la realidad terrenal y se convierte en objeto de experiencia directa (casi siempre exaltada de manera católica): “La otro mundo se libera de todo aquello en lo que está presente hasta el más ligero soplo del mundo, y el barroco le sustrae muchas cosas que habitualmente no se prestan a ningún tipo de articulación, sacándolas a la luz en su más alta altura, en un rudo forma, para liberar los últimos cielos y, convirtiéndolos en un vacío, hacerlos capaces un día de tragarse la tierra con fuerza catastrófica.

En Wölfflin, el Renacimiento y el Barroco se contraponen según las siguientes cinco características: linealidad/pintoresco; plano / profundidad; forma cerrada / forma abierta; unidad / pluralidad; claridad/oscuridad. Estos signos también pueden percibirse como características simbólicas generales de la cosmovisión de ambas épocas, sus intenciones principales (es en este sentido que son importantes para nosotros). El Renacimiento, cree Wolflin, se caracteriza por la gráfica, la plasticidad, una definición preliminar de formas y límites (aquí las líneas siguen como "el camino de la mirada y el educador del ojo"); en el barroco, la indefinición de las formas, la visión de masas indefinidas. En el arte renacentista se cultiva el principio de aislamiento y rigor plástico, tectonicidad distinta e intensa (recordemos las esculturas de Miguel Ángel). El barroco no tiene este rigor y esta unidad. Tampoco hay tensión tectónica de las formas en sí: son borrosas, brillantes, dotadas de la propiedad de algún tipo de incompletitud enigmática. Consideremos, por ejemplo, la arquitectura barroca. Las formas suaves, redondeadas, muy inestables y muy "nerviosas" son omnipresentes aquí; aquí a menudo encontramos intentos de expandir el espacio a través de espejos de vidrio, técnicas engañosas de pintura, etc.

“No formas individuales”, escribe Wölfflin, “no figuras individuales, ni motivos individuales, sino efectos masivos; no limitado, sino infinito!” . Es en este sentido que debemos entender la afirmación de Friedrich Nietzsche de que el nombre de Bernini (el gran escultor y arquitecto de la época barroca) es “el nombre de la muerte de la escultura”: las formas plásticas de Bernini están desprovistas de rigor, parecen fluir unas en otras, y las líneas que las perfilan se difuminan continuamente, de modo que no surgen volúmenes estáticos, sino móviles y parpadeantes, organizados, como diría Wölfflin, de acuerdo con el principio "pintoresco". Se puede decir que este "pintoresco" es el principio del pensamiento "barroco" en general.

2. Justificación filosófica y estética del barroco: Baltasar Gracián

Según el historiador de la estética V.P. Shestakov, “el estilo barroco no ha recibido una expresión teórica holística y sistemática en la estética. Sin embargo, declaraciones individuales, prefacios de obras poéticas y musicales dan una idea de los principios básicos de la estética barroca. Este juicio no es del todo exacto: en el marco de la cultura barroca, principalmente en España e Italia, se escribieron varios tratados importantes de un nivel filosófico bastante elevado. A continuación repasaremos brevemente dos de ellos.

En términos generales, la filosofía del arte del Barroco no se interesa por los fundamentos objetivos de la belleza o la fealdad; su atención está clavada en las condiciones subjetivas de la percepción estética y la creatividad (no es casualidad que el propio concepto de gusto aparezca en el marco de la estética barroca); ella se preocupa por los trucos creencias espectador o lector - una creencia, esencialmente idéntica a la sugerencia, engaño ilusionista (es decir, la representación de lo inexistente por lo existente). Aquí, por cierto, jugó un papel importante. Retórica» Aristóteles, traducida al latín por primera vez en 1570. El esteticista polaco Belostotsky escribió en su libro sobre el Barroco: “La teoría de los afectos, expuesta en el segundo libro de la Retórica de Aristóteles, se ha convertido en un elemento del arte, entendido como persuadir al espectador y excitarlo. La retórica no distingue la verdad de la plausibilidad; como medios de persuasión, parecen tener el mismo valor, y de ahí se sigue el subjetivismo ilusorio y fantástico del arte barroco, combinado con la "clasificación" de la técnica del arte, que crea una impresión subjetiva y engañosa de plausibilidad.

Una de las obras más interesantes de esta época es el tratado del escritor español Baltasar Gracián y Morales (1601-1658) "El ingenio o el arte de una mente rápida" (1642). Según L. E. Pinsky, este libro “generalmente se evalúa como el trabajo más significativo y programático para la estética de la era barroca (o, en relación con una enumeración detallada de varias técnicas de artesanía, como retórica barroca). El "Arte de la mente sofisticada" de Gracien es, en este sentido, comparable al "Arte poético" de Boileau, el programa artístico del clasicismo del siglo XVII. .

En primer lugar, considere lo que Gracián quiere decir con "ingenio".

El ingenio es el bien incondicional de la mente y la fuente de su placer: “Lo que es la belleza para los ojos y la eufonía para los oídos, es el ingenio para la mente”. Esta es la facultad más elevada de la mente. “La dialéctica se ocupa de la conexión de conceptos para construir correctamente un razonamiento o silogismo, y la retórica se ocupa de los adornos verbales para crear un giro elocuente”. Tanto la dialéctica como la retórica requieren una gran habilidad, pero aparentemente no la más refinada: "el ingenio, el ingenio también se basa en la habilidad, y el más alto entre todos los demás".

El ingenio es propiedad de una “mente sofisticada”, cuya acción es rápida y precisa, como si fuera intuitiva. El sujeto de una mente racional, lógica ("lenta") es la verdad, mientras que el ingenio, "a diferencia de la razón, no se contenta con la verdad sola, sino que lucha por la belleza". Curiosamente, Gracián entiende por belleza algo que no es del todo habitual en todas las estéticas anteriores, a saber, esa armonía, que se expresa en sutiles, a veces imperceptibles conexiones y correspondencias entre diversos objetos.

Un pensamiento agudo “es un acto de la razón que expresa la correspondencia que existe entre los objetos. Su misma coordinación, o correlación hábil, expresa su conexión sutil objetiva. Además, el establecimiento de esta correspondencia es tanto más valioso cuanto menos evidente parece tanto en la realidad como en la obra más "ingeniosa". “El conformismo”, escribe Gracián, “es un rasgo genérico común a todo tipo de ingenio y que abarca todos los trucos de una mente sofisticada; incluso donde tenemos oposición y heterogeneidad, esto tampoco es más que una hábil correlación de objetos.

Así, las propiedades de la belleza en el entendimiento graciano (y barroco en general) son la correspondencia, la sutil coherencia, la hábil correlación entre sí de tales objetos, entre los que no existe una cercanía lógicamente regular. Esta es la belleza, posible sólo en el arte, la verdadera belleza, llevada a la perfección por una “mente sofisticada”; como dice en otra obra de Gracián, "hasta la belleza hay que ayudarla: hasta lo bello aparecerá como fealdad, si no se adorna con el arte, que quita los defectos y pule la dignidad".

Las correspondencias de las que habla Gracián son en algunos casos inherentes a los propios objetos (ya "contienen todo tipo de ingeniosidades"), en otros se establecen de manera bastante arbitraria. Esencialmente, no importa si son "objetivos" o "subjetivos": es mucho más importante si el artista logró convencernos de que no son ficción. El único medio de tal persuasión, a veces completamente ilusionista, es ella misma. la belleza. El artista actúa con belleza, y la belleza puede tener una fuerza probatoria mucho mayor que cualquier silogismo. Caracterizando las pruebas generadas por el ingenio, i.e. apelando, en primer lugar, a la belleza de las formas, Gracián señala su carácter paradójico: “la evidencia se funda en la conformidad de extremos contradictorios”; “el contraste se enfatiza en tal evidencia”; “la prueba se basa en la oposición de dos conceptos”, etc.

El pensador español trata de racionalizar tanto estas pruebas como la “técnica” del ingenio en general: cita muchos ejemplos de la poesía española contemporánea y analiza escrupulosamente las técnicas mediante las cuales se crean los efectos de “correspondencia” ilógica. Al mismo tiempo, está convencido de que el ingenio no puede estar limitado por la posesión de técnicas (habilidad retórica), ya que gran parte de ella está determinada por una intuición que supera a la razón o, en términos de Gracián, "talento". El ingenio, cree, es una síntesis de la razón y el talento, y este último domina en esta síntesis. “... La naturaleza”, escribe Gracián, “robó a la mente todo lo que otorgaba talento; La paradoja de Séneca se basa en esto: un grano de locura es inherente a todo gran talento. Las impresiones lo influencian, vive en las fronteras del afecto, en la frontera del deseo y cerca del peligroso barrio de las pasiones.

Así, el ingenio se expresa no tanto en el conocimiento como en un juego artístico que destruye los límites de lo familiar. Lo más importante aquí es la capacidad de combinar lo incompatible, la capacidad de sorprender, de asombrar (dice Gracien: “la sal del ingenio está en lo insólito”), y, además, presentar la imaginación como real (convencer). , crear ilusiones). Esto es epicureísmo intelectual, un apasionante juego estético.

Tratemos de proyectar estas disposiciones del tratado de Gracián en el campo del arte.

A) Veremos que en la obra del artista la importancia de recepción: está directamente relacionado con la claridad, la distinción en la identificación de "correspondencias" y todo tipo de conexiones sutiles entre las cosas.

B) Si el arte es un juego de una mente sofisticada, más asociado con el talento que con la razón, entonces no puede haber una definición estricta (lineal-geométrica, en el sentido de Wölfflin) de la forma del habla. Aquí, en primer plano, una asociación paradójica, así como un libre, "musicalmente" organizado y ciertamente espectacular metáfora.

Para ilustrar, tomemos algunos ejemplos de la obra del gran poeta barroco Luis de Góngora (1561-1627), un contemporáneo mayor de Gracien (este último generalizó y conceptualizó en gran medida sus hallazgos artísticos).

Una línea de "Soledades": "Los bueyes vuelven al establo, pisoteando el tenue rayo del día". Esta es una combinación ideal de lo incompatible: uno puede "pisotear" solo una superficie densa, algo material en general, pero no un rayo. La imagen que aquí surge resulta como incompleta, y de ahí su “enigmatismo”, tan característico de los poemas de Góngora y de la poesía barroca en general.

Cuando Góngora habla de un herido: "venas en las que hay poca sangre / ojos en los que hay mucha noche", también combina cosas tradicionalmente incompatibles: una idea concreta y una imagen metafórica. En algunos casos, el poeta usa metáforas que sorprenden por su efectividad e inesperados. Por ejemplo, sobre la cueva del Cíclope Polifemo (en la misma "Soledad"), escribe: "fue un terrible bostezo de la tierra"; sobre el reloj: "el mal tiempo vestido de números". A veces recurre a una técnica que los poetas de orientación "clásica" no estaban a favor: la hipérbole. Por ejemplo, él describe la belleza de la novia de la siguiente manera: "Ella podría hacer la sensual Noruega con la ayuda de dos soles / Y la blanca Etiopía con la ayuda de dos manos".

“La originalidad de don Luis de Góngora —escribió Federico García Lorca en un ensayo sobre él—, además del plan puramente gramatical, radica en el método mismo de su “caza” de imágenes poéticas, el método en que abraza su antagonismo dramático. y, superando el galope de su caballo, crea un mito". Parece que el método de actualización y superación del "antagonismo dramático" de las imágenes es en gran parte característico de todo el arte barroco. Concluyendo la conversación sobre Baltasar Gracián, señalamos que fue él quien introdujo el concepto de "gusto" en el sentido de "gusto estético" (lo llamó "gusto elevado"). Con este concepto designó una de las habilidades de la cognición humana, enfocada específicamente a la comprensión de la belleza y las obras de arte.

El tema principal del tratado de Tesauro es el mismo "ingenio" que el de Gracián, y, hablando de ingenio, el filósofo revela el mismo subjetivismo en la comprensión de la esencia de la belleza y el mismo deseo de elevar el "talento" por encima de la razón. Cabe señalar que la guía metodológica de Tesauro, según sus propias palabras, es la Retórica de Aristóteles. En uno de los párrafos iniciales de su tratado, escribe: “Lector, prepárate para ver cómo yo, con la ayuda del indispensable dispositivo de espionaje aristotélico, me encargaré de mirar todo lo que merece el nombre de Ingenioso, para que, confiando en Búsquedas y Observaciones, puedo encontrar la evidencia más sólida para mis pensamientos.”

¿Cómo interpreta Tesauro el ingenio? Su manera de abordar la consideración de este concepto puede, en general, llamarse retórica: “Las agudezas solían entenderse como NOMBRES exquisitos, es decir, usos figurativos y metafóricos de los nombres; luego comenzaron a comprender también las DECLARACIONES refinadas, es decir, las Frases Ingeniosas y Elegantes, las Descripciones; ahora también han añadido refinados JUICIOS, son la mayor razón y tienen que llamarse ingeniosos CONCEPTOS. Por tanto, todos los Discursos, Poemas, Inscripciones, Epitafios, Alabanzas y Epigramas, dispuestos con la ayuda de tales CONCEPTOS, los llamaremos ingeniosos.

Las principales cualidades del ingenio son la "perspicacia" y el "ingenio". Insight ve las cualidades más ocultas y más pequeñas de varios objetos. Esencia, Material y Forma, Propiedades, Causas, Significado, Clase, Propósitos, Inclinaciones, Semejanza y Divergencia, Equivalencia, Superioridad e Inferioridad, Signos Distintivos, Nombres y cualquier posibilidad de doble entendimiento - en una palabra, nada queda sin explorar, desapercibido; y después de todo, en todo Sujeto existente hay algo escondido, profundamente escondido. En cuanto al ingenio, “compara instantáneamente estas Cualidades notadas, las conecta entre sí, o cada una se correlaciona con la apariencia visible del Objeto, luego combina las observaciones o las opone; subestimar o exagerar según sea necesario; uno está colocado en dependencia causal del otro; uno nota al otro; finalmente, con la maravillosa destreza de Figlyar, se pone una propiedad en la Figura de la Alegoría en el lugar de la Otra.

Es interesante aquí comparar el ingenio con la destreza del "bufón". "Barajar" generalmente consiste en desempeñar un papel deliberadamente frívolo, a menudo paródico, bufonesco. En este sentido, es similar a la habilidad de un mago. Aparentemente, es importante para Tesauro enfatizar las características estilo externo ese juego estético, en el que, de hecho, se manifiesta el ingenio: nos parece que su significado puede reducirse a pura "espectáculo": a la destreza, a la gracia, a lo inesperado de un efecto que sorprende a la imaginación, etc. Sin embargo, esto es solo una apariencia. El ingenio, por supuesto, es un juego, pero un juego basado en el conocimiento de las cualidades “ocultas” de las cosas y en la generación de una nueva imagen del mundo, una imagen en la que todo lo disímil y dispar aparece unido, más precisamente, conectado por relaciones. de paradójica “correspondencia”. Además, el ingenio es la más alta de las artes, en la que la persona imita al mismo Dios, quien “a menudo se presenta a sus criaturas como un poeta y un ingenio maravilloso: hablando a las personas y a los ángeles, difunde proverbios alegóricos y dichos simbólicos, envolviéndolos en torno a sus Conceptos llenos de los más altos Secretos".

Según Tesauro, el recurso principal de la expresión ingeniosa es la alegoría. Hay diferentes tipos de parábolas: comparación, alegoría, hipérbole, metonimia. Pero la más importante es metáfora. Ella, como dice el filósofo, es "la madre de la Poesía, el Ingenio, los Conceptos, los Símbolos y los Lemas heroicos", "la más INVENTARIA y PERSPECTIVA, ASOMBROSA y LLAMATIVA, ENCANTADORA y ÚTIL, RICA y FRACTURANTE de las creaciones de la Mente Humana" .

La doctrina de la metáfora, expuesta en el Catalejo de Aristóteles, es esencialmente la teoría general del arte barroco, y aquí Tesauro es realmente el Boilo de la era barroca. Escribe: una metáfora, "llevando el pensamiento lejos y por eso, con su poder, sublimando diferentes palabras de una categoría a otra, y el concepto mismo se transforma, haciéndolo parecer diferente, completamente diferente: de esta manera, las similitudes se revelan en cosas desemejantes". Y una cosa más: “Para la verdadera perfección de la Metáfora, lo más ideal es que los conceptos muy profundos ocultos en ella estén lo más separados posible, de modo que se requiera un talento y un entrenamiento especiales, y la capacidad de rodar y trepar. subir a través de muchos pasos con un solo espíritu. , y abrazar todas las profundidades de diferentes significados con una sola mirada. El artista, ingeniosamente operando con metáforas, “crea lo existente a partir de lo inexistente. Su león se convierte en Hombre, y el Águila en toda una Ciudad. Sharp Mind cruza a una mujer con un Pez y crea una Sirena, un símbolo de Patting. Agrega a la parte anterior del cuerpo de la Cabra la cola de la Serpiente, y así nace la Quimera, el símbolo jeroglífico de la Locura.

La metáfora se caracteriza por la originalidad, la sorpresa y el "sorprendente" (la capacidad de asombrar, asombrar): "el espíritu del oyente, impresionado por la novedad, está desconcertado, maravillándose al mismo tiempo por la forma asombrosa de la declaración ingeniosa y por el asombrosa esencia del tema descrito”. Además, la metáfora expresa tales complejos de significados que el lenguaje ordinario, no metafórico, es incapaz de expresar: “Quieres traducir el lenguaje a un lenguaje común: Las vides lloran, o el Sol siembra rayos, estás atormentado y no ser capaz de."

También debo decir que el mundo mismo para Tesauro es una “metáfora divina”. Por tanto, las metáforas del arte, aunque parezcan ilusorias, fantásticas, por su naturaleza coinciden con la estructura interna del universo.
4. Símbolo medieval y metáfora barroca
En una de las últimas conferencias se dijo que para la Edad Media el mundo es una colección de símbolos. Tesauro afirma: el mundo es una metáfora divina. ¿Cuál es la diferencia entre estas dos posiciones?

En primer lugar, la diferencia es que con una relación simbólica (precisamente en su versión medieval), los significados de los símbolos se interpretan de forma más o menos estricta: por ejemplo, el color rojo, y se puede asociar tanto con la sangre de Cristo , ni con la misericordia de la Madre de Dios, ni con nada. Es importante que con toda la variedad de interpretaciones, la correspondencia del significado con el significante aquí se establezca claramente e incluso sin ambigüedades. Cuando hablamos de una metáfora, ya no podemos permitir tal falta de ambigüedad, porque una metáfora es, por así decirlo, un significado fluido eternamente “no preparado”, devenir. En una metáfora siempre hay un eufemismo, una subdeterminación. Al mismo tiempo, se esfuerza por "transparentar" los límites entre objetos opuestos, tanto fenoménicamente opuestos (subjetivo y objetivo, real e inmaterial, denso y enrarecido, sólido y fluido, distante y cercano, local y cósmico, etc.), y nouménico (material e ideal, "celestial" y "terrenal", natural y cultural, humano y sobrehumano). Por lo tanto, la metáfora permite una combinación misteriosa y arbitraria (no controlada por la mente) de lo incompatible, la convergencia de lo diferente, el constante "flujo" de opuestos entre sí (cf. Roman Jacobson y luego Paul Ricoeur: metáfora - " referencia dividida").

Además, las relaciones simbólicas se perciben como completamente objetivas, independientemente de nuestra "disposición" en relación con ellas, de nuestra conciencia como un todo. Y, en principio, aquí no se permite la arbitrariedad de las interpretaciones. La metáfora, en cambio, se interpreta subjetivamente, y sus diversas explicaciones, desciframientos, de un modo u otro, dependen de cómo la miremos, de lo que “captemos” en ella. La metáfora es una relación semántica de este tipo en la que no hay objetivo ni subjetivo, sino que hay una unidad de lo subjetivo-objetivo, es decir, inseparabilidad, unidad del mundo y del hombre. En la cultura barroca, todo es exactamente así: la conciencia y el mundo están inicialmente, por así decirlo, "incluidos" el uno en el otro, de acuerdo con el principio de la mónada de Leibniz, y forman un todo (aunque bastante caprichosamente organizado, cambiante, misterioso). , siempre sin decir). Así, escribía Gilles Deleuze, comparando la imagen del arte barroco con la materia blanda plegada: “... Cada alma o cada sujeto está completamente cerrado, sin ventanas y sin puertas, y en su base muy oscura contiene el mundo entero, iluminando sólo un pequeña parte de este mundo (cf. Esto es con los efectos de la pintura de claroscuro barroco, por ejemplo, de Caravaggio o Dosso Dossi. nótese bien), cada uno tiene su propio Mundo, por lo que está plegado o doblado en cada alma, pero cada vez de una manera diferente, ya que solo hay un lado muy pequeño de este pliegue, que está iluminado.

institución educativa estatal

más alto educación vocacional

Moscú Universidad Estatal

lleva el nombre de MV. Lomonosov

Facultad de Artes

Departamento de Arte Musical

Trabajo de curso sobre el tema:

"Estética del Barroco"

Moscú 2016

Tabla de contenido

En la era barroca, un héroe trágico entra en escena, desafía todos los elementos, terrenales y celestiales, se vuelve hacia el cielo: "Dios, si existes, ¿cómo puedes soportar todo esto?" El arte musical se esforzó por transmitir todas las pasiones humanas en sus contrastes y diversidad, y por ello optó por la monofonía melódica, y no por la polifonía coral. La música se vuelve trágica, parece repeler la serena claridad del Renacimiento. Muchos compositores empiezan a recurrir al género de las arias para verter la tristeza de un corazón que sufre. Pero, a pesar de toda la angustia mental, la música está saturada de Fe, no hay desesperanza en ella. Es a él, al Señor, a quien se dirigen las preguntas trágicas, es él, el Todopoderoso, quien debe disipar las dudas, sostenerlo en las pruebas de la vida. Tal es el contenido y el humor del "Salmo de David" a los versos bíblicos del compositorXVIIsiglo de Heinrich Schutz. Y sucede un milagro: una persona que estaba decepcionada por la imperfección del mundo, pero era fuerte en espíritu, finalmente encuentra paz mental y alegría. Pero ahora tiene que buscarlos en la duda, la reflexión y la dura lucha: la paz mental y la alegría ya no son enviadas por Dios.

El mundo en la época barroca se presentaba claramente dividido verticalmente en tres esferas: cielo-tierra-infierno, y una persona resultaba ser un vagabundo, un peregrino. S. A. Gudimova escribió: “La imagen del mundo en la era barroca apareció como un cosmos cristiano; el mundo-macrocosmos era un teatro en cuyo escenario actuaba un hombre-microcosmos, instalándose en este mundo sin límites, repitiendo su estructura ».

Las ideas de armonía natural, que inspiraron el Renacimiento, se desvanecieron en un segundo plano con el advenimiento de la Nueva Era. La conexión de los tiempos se rompió y el lema de la época barroca fue la Contradicción, que se manifestaba en todo. La más significativa fue la contradicción entre lo racional y lo emocional, la razón y los sentimientos. La pasión y el cálculo frío parecían discutir entre sí y deseaban ocupar una posición dominante en la cultura de la época. Esta "disputa" enfatizó aún más la naturaleza extraña de esta era, que no conocía límites en nada. La pasión barroca no tenía límites: la alegría invariablemente se convertía en júbilo y la tristeza en dolor. Thomas Carew transmitió con mucha precisión esta atracción por la hipérbole en su poema "Intolerancia a lo ordinario":

Dame amor, dame desprecio,

Déjame disfrutar de la plenitud.

Necesito la vida al límite -

En el amor paz insoportable!

Fuego y hielo: ¡uno de dos!

El exceso excita el espíritu.

Que el amor baje del cielo

Como lluvia dorada a través del granito

¡Zeus penetró a Dánae!

Deja que el odio golpee como un trueno

Destruyendo todo lo que me han dado.

El edén y el infierno son uno de los dos.

Oh, déjame beber en plenitud -

El alma es una paz insoportable.

El ansia de exageración se manifestó en la época barroca en diferentes niveles y en diferentes tipos de arte: la excesiva plenitud emocional, el deseo de liberarse del marco de lo habitual son característicos de la música, la pintura y la arquitectura. Las formas barrocas luchan por la asimetría, los detalles excesivos, la abundancia.

Como la época estuvo llena de contradicciones, el racionalismo se hizo notar junto con las emociones y los sentimientos en la época barroca. Se manifestó con particular fuerza en el arte de la música, cuando varios aspectos y aspectos del todo musical parecían corresponder en direcciones opuestas: el "cuerpo sonoro" de la música -melodías y combinaciones de sonidos- gravita hacia la excitación, la manifestación de las emociones. , mientras que la intensidad de las pasiones se equilibra con una clara organización estructural del conjunto y una disciplina rítmica. La contradicción entre lo emocional y lo racional en la cultura del barroco adquirió una nueva faceta, complementada por las contradicciones de lo individual y lo retórico, que quedó reflejada en el poema "Amor imaginario" de Girolamo Fontanello:

hablo con palabra y pluma

Sobre el relámpago de los ojos, sin saber el trueno.

Derramé lágrimas, pero esto es solo una recepción,

Y en la garganta de un bulto - y sin coma .

La individualización en el discurso artístico del Barroco surge porque las conocidas técnicas de escritura, formas y tramas se utilizan cada vez en un contexto diferente, por lo que el autor puede interpretarlas de manera diferente.

La era barroca creó su propia mitología alegórica. Las figuras mitológicas no eran sólo la Esperanza, la Misericordia, la Fe, el Consuelo, la Iglesia, el Amor, sino también islas, países del mundo, ciudades. Tales figuras alegóricas actuaron como portadoras de conceptos abstractos y personificaron los fenómenos y fuerzas de la naturaleza. Las antiguas deidades entraron en un complejo sistema de símbolos y alegorías, cubierto de nuevos atributos. Es por eso que el género emblema se convirtió en uno de los géneros dominantes de la época barroca.

Con la apertura del almacén homofónico, la mayor y la menor también se destacaron como protagónicas, pues sólo ahora la tristeza y la alegría requerían expresión musical. En la era barroca, se hizo otro descubrimiento: la gravedad modal, tratando de transmitir con la ayuda de conexiones y tonos complejos el proceso imperceptible de aparición y resolución de experiencias emocionales. El descubrimiento de mayor y menor como dos principios opuestos en la música y el descubrimiento de la gravedad modal permitió que la música pasara de la inmersión en la armonía natural a la representación de las pasiones universales o, como se les llamaba entonces, los afectos.

Con el advenimiento de la nueva era, el lado rítmico también ha sufrido cambios. Desde el comienzo de la Edad Media hasta el final del Renacimiento, el tiempo parecía algo congelado, estático, eterno. En la era barroca, con el advenimiento del tema del Hombre, también cambió el concepto de tiempo: "el tiempo eterno e infinito del Señor Dios se convirtió en el tiempo finito de la vida humana". La idea de que el espacio se mueve y el tiempo avanza se vuelve fundamental. Cada minuto que pasaba comenzaba a ser valorado, momentos que inevitablemente acercaban el final de la existencia terrenal. Esto también se reflejó en la música: no una nota larga, sino una breve, se convirtió en la unidad convencional de ritmo musical. El discurso musical en ese momento comenzó a dividirse en partes iguales, se acentuó.

En relación con el deseo de expresar toda la riqueza y diversidad del alma, aparecieron nuevos géneros y formas musicales. El inicio de este proceso estuvo marcado por el nacimiento de la ópera a principios del siglo XVII. Además, surgieron géneros de viento "parecidos a la ópera": cantata y oratorio. La música instrumental adquirió un significado independiente. Nacieron nuevos géneros y formas: preludio y fuga, concierto instrumental, suites de danza. Una obra en la que los elementos se reflejaban mutuamente se consideraba integral y perfecta en la época barroca. Este criterio para evaluar las obras de arte se asoció con la idea de la época barroca sobre la interdependencia de los elementos del mundo, sobre la conexión inseparable de todo lo que existe.

Conclusión

Así, el barroco apareció enXVIIsiglo, en Italia, en el contexto de la crisis de las ideas del Renacimiento. La primera tarea del nuevo estilo fue crear la ilusión de riqueza y poder, el surgimiento de la Iglesia Católica y la nobleza italiana. Sin embargo, es erróneo considerar la época barroca únicamente como una época de transición del Renacimiento a la Ilustración. El barroco es una fase independiente en el desarrollo del arte, y las razones de su aparición no son solo los problemas económicos y políticos de Italia: el nuevo estilo refleja el estado de ánimo de toda la sociedad europea.

La esencia de la estética barroca es queen esta era, cambió la idea del mundo, que se estableció en la antigüedad, como una unidad racional y constante, así como la idea renacentista del hombre como un ser más racional. En la estética barroca, lo feo a veces se consideraba bello, por ejemplo, en el Renacimiento. El Barroco comienza a rechazar autoridades y tradiciones no en sí mismas, sino como prejuicios, como una sustancia obsoleta. Para el barroco, las nuevas formas son importantes para el conocimiento de lo bello, del mundo circundante, de la mente.

La esencia del Barroco refleja el concepto de crisis del mundo y del individuo, que tiene una orientación humanista, pero es socialmente pesimista: contiene dudas sobre las capacidades de una persona, un sentido de la futilidad del ser y la perdición del bien para derrotar en la lucha contra el mal. Las características principales del barroco son una mayor emotividad, dinamismo evidente, emotividad, contraste de imágenes; se concede gran importancia a los efectos y elementos irracionales. Estas características se manifiestan más claramente en la arquitectura y la escultura, la música, la literatura y el arte en varios países europeos.

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